Le Pt'it MAG cinéma

L'arbre: Une cloture à l'image de la sélection *

2010-06-12T19:36:00.004+02:00

L'arbre de Julie Bertucelli clôturait cette sélection 2010 à son image. Si le film semblait partir sur des bases intéressantes et donner à la nature une place importante, si la présence de Charlotte Gainsbourg nous rappelait le houleux Antechrist; si Julie Bertucelli nous est conseillée par D. Haudepin dans un troquet de la Bocca, si la photographie tire partie des paysages et techniques australiennes; malheureusement l'intrigue se meurt rapidement, et le rythme choisi s'avère un hymne à dodo. On s'ennuie. A l'image de la sélection toute entière, l'objet qui nous est donné à voir ne révolutionnera rien à ce qui fut.

L'autre monde un Cinéma poubelle

2010-06-12T19:35:00.011+02:00

Faire une critique construite de ce navet ultime serait lui faire trop honneur, nul sur toute la ligne, affligeant, incommensurément anodin et insipide, tout y est raté; et nous ne sommes pas fan du "prince ringard" et de l'arrière train de l'ancienne miss météo de canal dont la ligne très imparfaite aurait du nous mettre la puce à l'oreille. Véritablement à éviter. (Le plus mauvais film donné à voir à Cannes avec Kaboom).

L'étrange affaire Angélica * Oliveira pour une fois décoit

2010-06-12T19:35:00.010+02:00

Nous avions beaucoup aimé "Singularité d'une jeune fille blonde" pour sa fraîcheur, sa causticité, et le regard tout à la fois amusé et curieux du maître lisutanien. Cette fois, le parti pris anti-moderne est toujours à louer. La volonté de nous dresser le portrait d'un original abandonné à sa passion pour la photographie - le maître lui même ? séduit, tout comme quelques savoureuses discussions autour de sujets qui assouvissent la curiosité d'Oliveira l'érudit toujours en quête de nouvelle connaissance. Mais dans l'ensemble l'imagerie nuit au film, quelques effets peu spéciaux déservent plus le récit qu'ils ne l'agrémentent et la trame est somme toute convenue. L'effet bluette malicieuse n'opère pas comme dans "Singularité d'une jeune fille blonde".
Dommage, car Cannes a rendu hommage à Oliveira, et nous aurions aimé dans ce papier rendre hommage aussi à l'oeuvre toute entière au travers de la plus récente, mais nous préfèrons l'oeuvre globale ...

Film Socialisme Godard nous enfume ? *

2010-06-12T19:34:00.005+02:00

Pardon ? Oui, c'est bien vous qui me critiquez ? Peut être pas ... Je n'aime pas Hitler. Staline ne jouait pas au tennis. Cathy Tanvier, si. Pourquoi Socialisme ? Parce que Patty Smith. Pourquoi Patty Smith ? Parce qu'elle était là. Pourquoi un film ? Parce que Cannes ... Sinon rien de neuf, JLG n'est pas revenu ... On sourit, on réfléchit, on note quelques références, certains crient au génie pour se faire remarquer, d'autres s'outrent de ne rien comprendre et nous alors ? Bah on ne déteste pas, mais on n'aime pas quand même. Peut donner des idées, voilà tout. Dire de JLG que son film est commun et ordinaire, voire normal, n'est-ce pas une vraie critique ?

Un homme qui crie n'est pas un ours qui danse Cinéma Afrique ***

2010-06-12T19:33:00.009+02:00

Ce film gagne à être vu, son propos est fort, son sujet grave, et le regard porté n'est pas le regard européen, miséricordieux, épinalien ou enjoliveur. L'acteur principal aurait mérité le prix d'interprétation. Le film pêche parfois dans le rythme, mais la technique filmique est bonne, et la photographie par exemple très intéressante. A l'image de White Material de Claire Denis, on sent l'Afrique. Et rien que cela vaut le coup.

Tournée *** Amalric est aussi un cinéaste !

2010-06-12T19:33:00.008+02:00

Nous ne savions pas ce qu'attendre de ce film de Mathieu Amalric. Et cela est très certainement une condition pour l'apprécier justement. Car Tournée est avant tout une mise en abîme, un show filmé, un show qui se cherche, qui déambule; qui use les lumières et joue de tout ce qui brille. L'éclat, le brillant, le strass, les paillettes sont questionnés, au travers d'un personnage aigri et blessé, un ancien show-man à succès à qui on a retiré justement les moyens de son succès. Succès aveuglant qui a fait de lui un saltimbanque dépassé par la vie, mais qui vit pourtant. On apprèciera surtout dans "Tournée" le côté valse des humanités, le côté exploratoire et l'absence de messages de vérités tous faits. Les émotions sont au rendez-vous, on sourit, on s'attendrit, on suit les évolutions et les questionnements des acteurs, et actrices. N'est-ce pas cela le New Burlesque au final ? Le rythme en tout cas est très bien choisi, et Amalric montre qu'il possède un oeil précis, celui d'un cinéaste.

Poetry *** un portrait coréen

2010-06-12T19:12:00.002+02:00

Poetry aurait été ma palme par dépit. Nulle révolution cinématographique. Mais le parti pris scénaristique est particulièrement intéressant; le portrait de cette femme du troisième âge en proie à des doutes existentielles est un magnifique sujet, et le parallèle avec la poésie particulièrement touchant. Le film laisse une empreinte, marque les esprits en douceur; on s'attache à ce petit bout de femme. Nous reconnaissons là toute la qualité du cinéma asiatique, capable de nous intriguer par une vision en décalage avec la vision occidentale. Le temps qui passe n'est pas tellement ici questionné, mais celui qui est passé si. Un beau film à défaut d'être un chef d'oeuvre, mais la sélection n'en comportait pas.

Biutiful ** à trop en dire on en dit moins

2010-06-12T19:11:00.005+02:00

Inaritu a cette particularité que chacun de ses nouveaux films est moins bon que son précédent. Biutiful démarre déjà avec un handicap pour nous francophones, pourquoi devrions nous apprécier que la racine originelle du mot beautiful soit ainsi escamoté pour laisser place à une sonorité bien plus anglaise. Beau est plus agréable à l'oreille que biou me semble-t-il.

L'effet, puisque c'est bien de cela qu'il s'agit, n'est pas complètement maîtrisé. Il en est ainsi de tout le film "Biutiful" qui, s'il n'avait pas cherché à tout prix à rajouter du pathos au pathos, aurait pu laisser place à un portait sensible, ou à un propos militant. Nous avons surtout vu des effets, et étrangement ces derniers produisent parfois les effets inverses que leurs intentions initiales: là où on devrait pleurer ou s'émerveiller on se blase. Javier Bardem a obtenu le prix d'interprétation, et pourtant sa composition n'a rien d'exceptionnelle, il incarne juste une sorte de robin des bois aux abois. Il serait exagéré de dire que "Biutiful" est un mauvais film, mais en tout cas, il est décevant de la part d'Inaritu dont on sait qu'il a à ses débuts apporté un souffle, certainement pas de fraîcheur, mais en tout cas dans la façon de raconter un évènement, dont on a pensé qu'il proposait une nouvelle modernité, et dont on constate que son inspiration ne se renouvelle pas.

Another year * un mike leigh plutot insipide et insulaire

2010-06-12T19:10:00.002+02:00

Une petite comédie très anodine, ni drôle ni ratée, qui parlera beaucoup plus au britannique moyen critiqué mais qui ne s'y reconnaitra peut être pas, qu'à une population cinéphillique qui attend d'un film sélectionné au festival de Cannes qu'il surprenne.
Autant "Be happy" était fort sympathique, autant "Another year" est insipide.

Uncle Boonmee who can recall his past lives d'Apichatpong Weerasethakul ***

2010-06-08T13:35:00.009+02:00

Oncle Boonme, le personnage du titre, est sous dialyse et sent sa fin venir. Un soir, alors qu'il est à table, sa femme défunte lui apparaît...
Oncle Boonme, Palme d'or 2010, est un film trip. On l'a comparé à 2001 : Odyssée de l'espace, à raison. L'histoire est inracontable, on sort de ses repères coutumiers, mais le cinéaste nous emmène dans un voyage inédit, dans le jamais vu, installant un rythme hypnotique qui lui est propre. On assiste à un voyage dans le temps, y compris dans les temporalités parallèles sans jamais perdre le fil. Les poissons chats parlent, les singes sont des fantômes anciennement humains. Sur la dernière partie du film, il y a quelque chose de la vidéo d'art plastique -et pour cause, l'auteur donne aussi dans cette discipline. La photographie n'est pas si belle que ça, elle est plutôt rudimentaire. Les effets spéciaux sont vintage. Ceci, plus le manque de repères pour l'occidental, peut expliquer pourquoi le film, lors de sa projection, a reçu un "mauvais" accueil : certes, ceux qui applaudissaient le faisaient d'une très manière soutenue, mais nombreux étaient les sifflets, sans parler des gens quittant la salle, furieux, durant la projection.
Il n'en reste pas moins qu'Oncle Boonme est un bon film. Pas forcément universellement accessible, mais qui offre un spectacle planant et inédit pour qui consent à s'y abandonner.

Rebecca H. (Return to the dogs) de Lodge Kerrigan

2010-06-08T13:11:00.004+02:00

Rebecca H. (Géraldine Pailhas) est un paumée qui veut partir en Amérique pour faire chanteuse. Mais il y a aussi le personnage de Géraldine Pailhas joué par cette dernière qui doit interpréter, sous la direction de Lodge Kerrigan, le biopic d'une chanteuse américaine des 70's... Rebecca croise Géraldine par le biais d'une télvision. Est-ce que Rebecca H. est le double de Géraldine ou est-ce que Géraldine a juste interprèté le rôle de Rebecca ?
Lodge Kerrigan (Claire Dolan) était très attendu au Festival... Rebecca H. est une commande tombée à l'eau. Avec le matériel filmique dont il dispose, Kerrigan nous fait le coup de la mise en abîme et de l'opacité Lynchienne. Las ! On a l'impression de voir les rushes d'un film inabouti... Le film tourne en rond. L'ennui et l'énervement s'invitent malgré toute la bonne volonté qu'on y met. Un film exceptionnellement mauvais.

New york I love you *

2010-04-20T00:10:00.004+02:00

Le concept de Paris je t'aime, cette fois sur la ville de New York : une série de courts métrages, réalisés par divers auteurs, dont des acteurs (ici Yvan Attal et Nathalie Portman). De même que le 1er concept (des histoires liées à la ville de Paris) le résultat est inégal. D'autant plus que les histoires, de pattes très différentes, sont artificiellement liées pour créer un ensemble homogène -lien factice et vain pour des univers si différents. On ressort cependant enchanté de cet entreprise inégale, de par le regard "exotique" posé sur une ville non moins "exotique" pour les français que nous sommes. Et c'est un français, justement, qui s'en sort le mieux : Yvan Attal, qui continue dans son obsession de la pérennité du couple et de la séduction, thématique déjà usée chez lui mais si gracieusement interprétée par Robin Wright Penn ou Ethan Awke. D'autres sckeches, bien que pas forcément de meilleur goût (Brett Ratner) ou réussi (Nathalie Portmann en juive orthodoxe ou Shu Qi en muse mystérieuse) nous donne à voir des acteur magiques dans une ville magique. Le principe même de variété nous porte d'un univers à un autre. Aussi quitte-t-on un univers peu crédible pour un autre plus attrayant, le tout dans des jolies photographies avec de grands acteurs parfois rares (Elli Wallach, 93 ans). C'est déjà ça.

8 fois debout **

2010-04-20T00:08:00.002+02:00

Critique à venir. Un premier film qui alterne du bon et du moins bon, pas à la hauteur des références parfois citées ici ou là. Performance intéressante de Julie Gayet.

Domaine *

2010-04-20T00:06:00.001+02:00

Critique à venir. Béatrice Dalle dans un film plutôt pompeux, avec une composition certes intéressante mais peu poignante.

Ajami, encensé certes ... *

2010-04-11T12:14:00.000+02:00

Caméra d'or à Cannes, nommé pour le meilleur film étranger aux Oscars, des distinctions dans de nombreux festivals; film co-réalisé par deux citoyens Israeliens, l'un juif l'autre arabe, qui reçoit de façon quasi unanime dans la presse une excellente critique, nous nous attendions à un "masterpiece", à une oeuvre emprunte d'originalité, de sensibilité, ou bien à une oeuvre choc. En sus, la production cinématographique Israelienne de ces dernières années, nous a valu quelques pépites - l'art et la réflexion étant d'autant plus utile là où le social et le politique émeuvent, théâtre majeur du schiste des religions.
Cette carte de visite finalement élogieuse peut-elle, a fortiori, influer (négativement) notre regard ? certainement.
Ajami est le nom d'un quartier de Jaffa, au sud de Tel Aviv, l'un des rares quartiers où juifs et arabes cohabitent en Israël. Scène idéale pour ce projet, dont la genèse remonte à 2002, quand Yaron Shani, Israélien, juif, rencontre Scandar Copti, citoyen d'Israel arabe de confession chrétienne et porteur de projet vidéo.Ensemble, ils décident de monter un film qui relate la cohabitation dans le territoire d'Israël, sur un mode cinéma vérité, avec des acteurs qui n'en sont pas (immense casting ayant duré plus d'un an !) et dont l'émotion ne soit pas feinte - le film est tourné de manière chronologique, pour que les acteurs découvrent le film au fur et à mesure et que les émotions soient les leurs et non celles de comédiens préparés.
La mise en scène sera pédagogique vous diront certains, calqué, imité, alambiqué vous répondrais-je.
5 chapitres convient les personnages centraux de cette histoire, noire au possible, basée sur des relations de pouvoir, le banditisme et son lot de meurtres, sur fond de conflits communautaires, de règlements de compte, de trafic de drogue. La chronologie est déroutante, les histoires s'imbriquent les unes aux autres. Cela peut fasciner, ajouter une dimension mystérieuse.
Parmi les nombreuses éloges, beaucoup se réfèrent à des analogies, les plus fréquentes étant Gomorra ou Amours Chiennes. D'un point de vue montage, la comparaison avec 21 grammes, par exemple, est aussi possible, mais ce qui innove apporte, ce qui imite déçoit, ou leurre.
En analogie avec Un Prophète, Ajami est un film basé sur une réputation, une sorte d'objet dont il semble, tant ils fédèrent, qu'ils bénéficient d'une impunité bien-pensante. Et pourtant, faut-il taire que comme pour Un prophète le film est d'une noirceur scénarisée à l'extrême, à en être caricaturale bien plus que précise, faut-il taire que le film surfe sur le créneau de la violence établie; innée, sans point de vue - ce qui n'est pas nécessairement un mal ou une finalité - mais surtout sans profondeur.

A choisir, ne faut-il pas préférer les discours trompeurs, erronés, mais courageux, qui engagent leurs auteurs ? Ici le sujet semble finalement volontairement évité; sous prétexte de complexité, de terrain miné, et se pose alors la question de la dimension réelle de l'oeuvre ... Certainement pas politique, encore moins philosophique, absolument pas poétique, évidemment pas comique, pas franchement divertissante, peu émouvante. Non, il reste le thriller, le suspense, le drame, la violence, l'action, le prosaïsme, et peut être plus encore le jeu de cluedo, puzzle menteur pour comprendre. Avec la grille de critique qu'il convient d'appliquer à cette catégorie, Ajami est certainement honorable, mais vous l'aurez compris, ce billet aurait souhaité que la grille à appliquer fusse différente. On m'aurait menti ...

La rafle

2010-03-27T11:01:00.000+01:00

Critique à venir. Décevant. (Critique audio en ligne).

L'arnacoeur ne nous arnaque pas tant que ça ... ***

2010-03-27T10:50:00.000+01:00

Critique à venir. Une comédie qui fonctionne dans l'ensemble bien. Moderne et efficace, Duris est employé à la Bebel.
Contrairement à la photo de Vanessa Paradis non actuel, le film ne vous arnaquera pas.

Tout ce qui brille brille ***

2010-03-27T10:45:00.001+01:00

Critique à venir. Une comédie rigolote, qui emprunte une recette comique éprouvée, avec une fraicheur intéressante. Avec et co-écrit par G. Nakache, sans machisme !

Chloe: Atom Agoyan en petite forme *

2010-03-27T10:40:00.002+01:00

Critique à venir. Critique audio en ligne. Un film décevant loin d'Exotica. Comparable à la Vérité Nue. Remake peu flatteur de Nathalie d'Anne Fontaine.

Bad lieutenant, escale à la nouvelle orléans, un mauvais remake ? *

2010-03-27T10:36:00.002+01:00

Critique à venir. Un film décevant dans l'ensemble - n'est pas comparable à Bad Lieutenant de Ferrara - raccourci des producteurs.

Soul kitchen, la cuisine qui fait danser ***

2010-03-27T10:33:00.000+01:00

Critique à venir. Une comédie de Fatih Akin, entre Julie en Juillet et de l'autre côté. Plutôt agréable à regarder. Plus encore à écouter. Ours d'or à Berlin peut être exagéré cependant.

Liberté ... contrariée ***

2010-03-27T10:30:00.001+01:00

Liberté offre un intérêt majeur, il traite d'un sujet traité mille fois, mais pas traité une seule fois sous cet angle là. On y redécouvre une partie de l'histoire oubliée, avec beaucoup d'authenticité. Comme souvent, Gatlif parvient à nous embarquer dans un univers sympathique, insufflé. Liberté est ambivalent, c'est tout à la fois le choix du nomade de ne pas se laisser enfermer entre quatre murs, mais c'est peut être plus encore ici le non choix des gitans à qui les nazis promettaient, à eux aussi, le regroupement en camps de concentration.
Le film sonne dans l'ensemble très juste et alterne rire et larmes, sourires et attachements, portés par l'interprétation d'un James Thiérrée très convaincant, très amuseur; porté à moindre titre par la rigueur contrastante d'un Marc Lavoine intéressant, quoi que son personnage soit un peu exagéré parfois; il est en tout cas bien plus intéressant ici que dans le coeur des hommes.
Marie Josée Croze complète l'affiche, mais sa partition est assez mineure et neutre, dans un rôle qui ne permet pas forcément de se mettre en avant.
Un film intéressant à découvrir.

Il manque quelques carats à Precious **

2010-03-27T10:25:00.002+01:00

Precious s'annonçait de la plus belle veine de la mouvance indépendante, on songeait à ces quelques pépites Sundanciennes ou pas, qui nous ont fait découvrir Jarmush, ont consacré les Coen, ont laissé place à Juno et consors, on imaginait même un instant se replonger dans un brooklin boogie austerien, voire un little Italy façon Spike Lee, du temps où il était avant tout cinéaste. Le best-seller laissait deviner une mise en scène personnelle, l'affiche et les médias une actrice consensuelle. Las, le film déçoit, dans une forme s'approchant bien plus du mélo facile, avec quelques fautes de goût (cet imaginaire de Precious qui la voit princesse lorqu'elle est victime des infamies). Le propos est finalement assez peu personnel; et le pathos est mis sur le devant de la scène, sans grande subtilité (non pas qu'il faille réfléchir sur la misère à tout prix, au point de ne pas la montrer, mais ici l'entre deux - pourquoi ne pas avoir choisi une forme plus radicale ? - sonne gloubiboulga, mac do);

On reprochera donc au final un aspect somme toute superficiel, quoi que l'on doive reconnaître que l'ensemble n'est pas franchement mauvais, et que Mariah Carey par exemple s'en sort bien plus qu'honorablement.

White material âpre et maîtrisé ****

2010-03-27T10:10:00.002+01:00

Le futile, l'accessoire de l'homme blanc en Afrique est péjorativement nommé White Material. Le regard porté par les autochtones envers leurs colons est riche d'ambiguïté, entre modèle, envie, jalousie, et rancœur, dégoût, dénigrement. Ce que la colonisation a laissé en Afrique, ce sont des hommes livrés à eux même, mais aussi quelques descendants des colons, qui ne vivent pas sur le même pied d'égalité.

Des hommes organisés, en milices, en villages, mais aussi et surtout des hommes désorganisés, des hommes divisés entre terreur gouvernementale, qui a instauré petit à petit les moyens de son assise et de sa richesse, et radicalisation de la contestation, de la rébellion.

Nous sommes quelque part en Afrique. Où ? Cela n'a pas tant d'importance. Claire Denis a connu le Cameroun, elle connaît le sujet Afrique, et son film déjà en cela est un voyage concret, non une de ces images d'Epinal qui nous fait caricaturer l'Afrique entre splendeur de la brousse et de sa faune, beauté de l'ancestralité, du tribalisme, scénarisation de la violence quotidienne et apitoiement sentimental sur les conditions sanitaires; pour qui dirons-nous, parle d'une Afrique distante qu'il ne connaît pas, ni n'a envie de connaître au fond.

L'Afrique pourtant, c'est aussi ce terrain de jeu fascinant, cet autre monde, qui fascine à ne plus vouloir la quitter; passé à l'autre bout de la nuit, le jour paraît bien fade et bien peu attirant. Quand votre vie entière fut consacrée à, raisonne autour, trouve son sens dans un engagement au quotidien, au plus prêt de la terre, en immersion locale là-bas, ici n'a plus de sens, et même le destin de votre fils ne peut remettre en cause cet enracinement.

Isabelle Huppert incarne cette réalité, si ce n'est mieux que les autres tout du moins excellement, en exploitante cafetière, femme opiniâtre, volontaire, obstinée et battante.

Autour d'elle, tout le monde lâche les armes, tout le monde reconnait, constate que la tournure des évènements condamne les règles en place, condamne un temps révolu, devenu illusions plus encore qu'illusoire.

Entre pleutrerie et pragmatisme, dans un habit adéquat, Christophe Lambert nous réapparait excellent acteur, étrangement présent et charismatique pour un personnage qui devrait l'être moins. Isaach de Bankolé est lui aussi employé à très juste titre, en résonance entre l'histoire dans le film, et l'histoire du film, en icône. Moins judicieux est cependant le choix de Nicolas Duvauchelle en adolescent tantôt attardé, tantôt psychotique.

Le fonds du décor emprunte aux sujets de prédilection de Claire Denis, sa fascination de la provocation, de l'outrage paraît ici encore, mais elle semble ici parlé vrai, sans exagération; elle fait preuve en effet d'une maturité cinématographique très intéressante, que ce soit dans l'image mais aussi et surtout dans la chronologie choisie. Quand la fin du film vous est dévoilé dés le départ, quel intérêt devrait-on trouver à suivre les faux espoirs, chronologiquement antérieur, qui suivent ?

La réponse est simple, l'intérêt réside dans la complexité, dans l'ambivalence, dans le mystère, et cette impression est de surcroît persistante. Vous ne trouverez nulle réponse évidente, nul pamphlet moralisateur dans ce White Material, aussi âpre que maîtrisé. Très certainement parmi les plus belles réussites de Claire Denis.

Lovely bones *

2010-02-19T20:29:00.008+01:00

Que dire de Lovely Bones, le dernier film de Peter Jackson, sinon que l'histoire au départ semblait alléchante: une jeune fille qu'on a assassiné observe de l'au-delà ceux qu'elle a laissés.

On s'attendait alors à du fantastique, du suspense mais rien de tout ça .

On se retrouve flanqué d'un film mièvre et complaisant. Une peinture fade et consensuelle d'une famille américaine dans les années 70, un assassin, caricature du psychopathe vu par les américains, et une enquête policière menée sans rythme et sans suspense.

Le plus décevant est la partie fantastique du film et les images sans invention et plates, comme un fond d'écran d'ordinateur, du paradis.

Le réalisateur de King Kong et du Seigneur des anneaux, passe à côté de son sujet en jouant sur la corde sensible des sentiments, en tentant de nous émouvoir en vain. Et l'apparition survitaminée de la talentueuse Susan Sarandon n'y changera rien.

On a l'impression de regarder un mauvais épisode d'une série américaine sirupeuse avec effet lacrymal. Mais là nous ne marchons pas. Faut pas déconner quand même.

A serious man

2010-02-01T20:53:00.001+01:00

Critique à venir par Maelig. Un film très décevant.

Esther ***

2010-02-01T20:50:00.003+01:00

In the air ***

2010-02-01T20:48:00.001+01:00

Une petite zone de turbulence **

2010-02-01T20:46:00.001+01:00

Gainsbourg (vie héroïque) de Joan Sfar... plutôt pour ! **

2010-01-23T14:12:00.002+01:00

Gainsbourg vu par Joann Sfar, du jeune Lucien Ginsburg des années 40 jusqu'au compositeur et chanteur célébré dans le monde entier...

Ce film est autant un film parlant de Gainsbourg que de Joann Sfar, dont la présence claque à chaque image par le biais du dessin animé, des animations 3 D, des marionnettes, des dessins ou des toiles de L.Ginsburg peintes (ou plutôt dessinées) par Joann Sfar himself...

Le bédéaste désormais cinéaste fusionne, de son propre aveu, le peintre Pascin dont il a mis en en scène la vie en BD ou Romain Gary au beau Serge. Le "vrai" Gainsbourg passe donc au second plan. Il n'est qu'un sujet, un prétexte.

La première partie du film, celle qui s'attaque à la vie méconnue de Lucien G; ou du jeune Gainsbourg, fontionne parfaitement : un films onirique, un BD animée, qui mêle les obsession de Sfar -la judaïsme, les femmes, un humour particulier à une vie mensongère de Gainsbourg -ou comment Gainsbourg réarrangeait sa vie au gré de son esthétisme et d'un imaginaire fort.

Dès lors que le film s'attaque à la partie "connue" de Gainsbourg, les escapades dans l'onirisme fonctionne moins bien? Sfar se fait maladroit, mélange honteusement les époques. Le Gainsbourg ayant eu sa crise cardiaque dans les années 70 n'étaient nullement en uniforme de Gainsbarre, pas plus qu'il n'est monté sur scène à l'époque de l'album Rock around the Bunker, ni qu'il ait rencontré Bambou à la sortie de Love on the beat (1984) ou... des Guignols (1990). La deuxième époque du film expose des éposodes médiatisées : l'enregistrement du premier album reggae (sa période musicale la moins bonne) , le scandale à la sortie de La Marseillaise reggae. Le film se fait dès lors beaucoup moins intéressant, voire ennuyeux et bâcle. Sfar a contre lui les images peuplant l'inconscient collectif français voire international : les apparitions mythiques du couple formé avec Birkin puis Bambou, l'épisode de sa confrontation avec les paramilitaire français devant qui il a chanté la Marseillaise version classique... Image qui se superposent à celles de Sfar, le plus souvent à son détriment.

Sfar, débutant au cinéma, mais superstar de la BD, expédie son sujet et l'on sent qu'il a été peu remis en question dans ses choix artistiques. Il a tout de même pour gloire de faire exister, dans un premier temps, un Gainsbourg pascinïsé, de réussiter de beaux morts -parfois encore en vie, parfois fictifs- ou de rendre hommage à des figures éludées par Gainsbourg lui-même : la maman de Lucien, sortie tout droit d'un tableau de Klimnt, la Muse-modèle du petit Lucien, Elisabeth Levinsky (première épouse), Françoise-Antoinette Pancrazzi (deuxième épouse), et par ce biais leurs enfants Paul et Natacha...

Car ce film aurait pu s'appeler Gainsourg et les femmes, de par le défilé impressionnant de tout les types de beauté qui côtoient le personnage : de la ronde pulpeuse très sfarienne (le Modèle, Elisabeth, la coiffeuse) à la beauté froide à la Grace Kelly (Françoise) ; de l'icône de beauté mondiale (BB) à l'archétype Birkienne(touchante Lucy Gordon) ou Bambouien (étonnante Mylène Jampanoï) beauté fragile, frêle, émouvante en passant par la fausse lolita (Sarah Forestier en France Gall) à la vraie femme fatale ensocelante (Anna Mouglalis en Juliette Greco)...

Casta est l'une des incarnation les plus marquantes, en ceci qu'elle relève le défi (avec succès) d'incarner Bardot, jamais tant abordé de font au cinéma depuis la retraite précoce du sex symbol. Casta a été dirigée par BB elle-même qui lui prodigua force conseils et précisions, et cela se sent, et cela se voit : on y croit, presque autant que lorsque qu'on voit Eric Elmosnino de profil : pour peu, on croirait voir les vrais devant nous.

En somme un film dont les images imprégnent les rétines et la mémoire, mais choit en plein milieu, déçoit aussi : et pour cause, il était trop attendu

Gainsbourg (vie héroique)**

2010-01-22T01:25:00.005+01:00

Gainsbourg (vie héroique) est le premier film de Johann Sfar, auteur de bd reconnu.
On attendait avec impatience la sortie de ce film sur l'un des personnages les plus provocateurs, les plus sulfureux et finalement les plus aimés du paysage français. Sfar a voulu donner sa propre vision de Gainsbourg.
Ce n'est donc pas strictement un "biopic" mais un "conte" que nous présente le réalisateur. Il laisse donc une large place à l'inventivité dans le portrait qu'il fait de Gainsbourg. Cependant, pour ceux qui connaissent sur le bout des doigts la vie du chanteur, ils reconnaitront beaucoup d'élements puisés dans ses nombreuses biographies. Par ailleurs Sfar s'est beaucoup documenté pour retracer la vie de l'artiste dans des interviews télés entre autre. Pour représenter Gainsbourg, Sfar se tient tout de même à une trame chronologique qui va de son enfance, dans les années 40, aux médiatiques années 80.
Entre paranthèses, le voyage parcouru par le jeune Lucien à l'étoile jaune immigré russe au Gainsbourg chantant la marseillaise devant les paras est édifiant. Un modèle d'intégration en plein débat sur l'identité nationale?
Mais revenons en au film. Le graphisme bd du générique du début du film baigne le spectateur dans une ambiance onirique. On s'attend alors à voir un Gainsbourg fantasmé par Sfar, un Gainsbourg personnel. Pari en partie réussi. Le réalisateur va aborder les différents aspects de la vie du chanteur: sa judéité (l'enfance juive), la peinture, la musique, les femmes ... en mêlant rêve et réalité.

Pour incarner Gainsbourg adulte , Sfar a choisi le comédien Eric Elmosnino qui a une ressemblance frappante avec le chanteur, un mimétisme dans l'attitude, la voix, les gestes. Il nous dévoile un personnage bohême, fragile, lunaire, timide, farceur, avec cette pointe d'insolence qu'avait Gainsbourg. Les rôles féminins submergent littéralement le film, comme si les femmes avaient contribué à façonner le mythe Gainsbourg. Elles sont la clef de son succès, le fruit de ses idylles et de ses déboires amoureux. Tout d'abord Anna Mouglalis campe une Juliette Géco ténébreuse à souhait, Laetitia Casta crédible dans le rôle d'une Brigitte Bardot fatale. On peut noter l'apparition de Yolande Moreau qui incarne la chanteuse Fréhel et la jeune Sarah Forestier (héroine de L'Esquive) dans la peau d'une France Gall débutante qui goutera bientôt aux délices des sucettes à l'anis. Mylene Jampanoï clôture le bal dans le rôle de l'ultime femme : Bambou. Mais l'interprétation la plus juste et la plus touchante revient à Lucy Gordon qui révele une Jane Birkin nature -sans doute la moins sophistiquée de toutes ses muses. Elle donne une fraicheur et un naturel inédits au personnage.

Dans le film, Sfar invente un double à Gainsbourg, une créature tout droit sortie de son imaginaire, qui le suit dans ses déplacements : une sorte de mauvais génie. La présence de ce personnage donne une dimension ludique et surréaliste au déroulement du film. On peut l'interpréter comme la conscience de l'artiste. Au point de vue musical, on reconnaitra quelques standards du chanteur et sinon on peut noter que les morceaux ont été réarrangés pour le film. On aurait pu souhaiter que Sfar se penche plus sur la relation de Gainsbourg à la création musicale. A noter la présence du chanteur Boris Vian incarné par un Philippe Katherine égal à lui même. Le film n'apprend rien de plus aux fans de Gainsbourg sur sa vie. Mais par contre il permet au spectateurs de voir deux univers s'entrechoquer : la bd et le cinéma. D'ailleurs, Sfar intervient dans le film en prêtant sa plume au jeune Lucien dessinateur. Sans doute que le film ne restera pas dans les annales du cinéma. Mais il a ses moments de grâce surtout quand on aime Gainsbourg, le roman de sa vie. En préférant mentir sur la vie qu'il retranscrit du chanteur, Sfar nous laisse l'opportunité de garder notre propre vérité sur l'artiste et de continuer à projetter nos propres fantasmes en l'écoutant. Car le Gainsbourg qu'on aime le plus c'est celui que nous n'avons pas connu et que nous ne connaitrons jamais.

Gainsbourg (Vie Héroïque) - Bande-Annonce HD [VF]
envoyé par Lyricis. - Court métrage, documentaire et bande annonce.

Mr Nobody *****

2010-01-19T00:16:00.003+01:00

Au bon souvenir de Jaco Van Dormael. En contraste avec d'autres réalisateurs qui ne se font pas rares, Jaco Van Dormael n'était pas réapparu sur grand écran depuis "le huitième jour", portrait humaniste et tendre qui contait l'amitié entre Daniel Auteuil et Pascal Duquenne, trisomique acteur, nous étions en 1996. Tous deux étaient récompensés du prix d'interprétation à Cannes.

Jaco Van Dormael, c'est aussi et bien sûr "Toto le héros", formidable récit, où la tendresse, la nostalgie, les facéties tout aussi bien du jeune Toto que du même Toto, plus agé, extraordinaire Michel Bouquet, ne pouvaient que difficilement laissé insensible, surtout que la marque de fabrique est l'imaginaire, voire l'onirisme.

Oh il y a bien eu le clip de Ladyboy pour Indochine, mais cela ne compte pas vraiment ...

Jaco Van Dormael revient donc en 2010, avec un projet mégalo, avec un budget conséquent, dans un film qu'il a mis plus de 7 ans à écrire, et dont il a léché absolument tous les plans.

Géniale mise en scène, qui ose des prises de vues très novatrices, pour conter un récit qui veut montrer la complexité des choses, la complexité des destins, la complexité de l'amour; la complexité de la science et des inconnus, autour de la zone d'ombre, trou noir, de la réunion de la mécanique quantique avec la théorie de la relativité générale; la théorie des cordes qui ouvre la porte de la réversibilité du temps, de la multiplication des dimensions temporelles.

Au départ, un enfant doit choisir entre son père et sa mère, qui se déchirent. au départ, mais aussi en fin. Le destin sera différent s'il prend le train où ne le prend pas, tout comme il sera différent s'il choisit de vivre son amour, de vivre par amour, de vivre aimé, ou de vivre amoureux perdu.

L'amour encore et toujours, qui d'un pari adolescent mène à Mars, après hibernation. Le décor devient futuriste, les moyens sont d'importances, les trouvailles curieuses et sympathiques. D'aucuns ne diront que cela a déjà été fait, peut être, mais dans des oeuvres de seconde zone; ici, l'univers d'un Gondry par exemple n'est pas imité, il est outrepassé, relégué à ses études; le bric à brac inventif frise parfois le génie; les effets visuels irradient, et Clouzot s'il était venu au bout de son "enfer" ne l'aurait pas renié, au contraire de Chabrol qui refuse la sophistication.

Ce film ne se raconte pas, il se rêve; vos paupières sont lourdes, lourdes, et Mr Nobody va vous faire voyager parmi ses souvenirs, rêveries et autres incertitudes. Il sera le dernier être humain à mourir, le dernier être humain à conter l'amour.

L'onirisme permanent se ressent dés le départ, et ne vous quitte pas, le récit est celui de quelqu'un qui aime à la folie, qui confond, qui se raccroche au signe. La déconstruction totale du récit est un autre coup de maître, là ou Lynch pourtant précurseur se leurrait dans le patchwork (inland empire) à nous confondre, Van Dormael réussit ce pari assez fou de déplacer son récit dans tous les sens, de le reprendre en permanence là où il ne l'avait pas laissé. Le montage est proprement sidérant.

Il reste à commenter les acteurs, à commencer par Jared Leto, retenu pour ses qualités de transformiste. Voilà une dimension supplémentaire, à un film qui n'en manque pas. Il excelle disons le, son faciès sied à merveille à ce personnage de Mr nobody, personne et tout le monde à la fois.

Les personnages féminins ne sont pas en reste, 3 femmes pour 2 partitions riches (Diane Kruger, Sarah Polley) et une plus en retrait (Linh Dan Pham).

Les adolescents et enfants y sont très touchants, car c'est là l'une des caractéristiques principales de Van Dormael, il parvient là où peu se risquent, à nous émouvoir, à nous toucher très sensiblement, à force de positivisme, de tendresse, de rêve, d'humour léger, d'amour disons le (eh oui c'est un romantique patenté); et c'est là un exercice de style extrêmement difficile.

Une bonne partie de la critique s'est agacée de l'ambition montrée par Von Dormael sur ce film; cette distance qu'il prend par rapport au métier déplait, surtout que son arrogance va jusqu'à glisser dans son film que le cinéma français se complaît dans l'inaction et la lenteur; lui préfère la musique omni-présente, et son frère lui offre ici une bande originale très appropriée, entre référence nostalgique et air mélancolique au piano.

Cette oeuvre ne plaira pas à tous, elle a de quoi déranger, le rêve proposé ne parlera pas à tout à chacun, Van Dormael s'est exposé à trop se cacher; a pris des risques, et son film dont il dit lui même que c'est un film sur le doute mais qu'il en doute, a réellement de quoi devenir culte, à classer dans les incompris.

Maintenant, cela n'empêchera jamais que beaucoup préfèreront que les hauts budgets soient utilisés à la Cameron ...

Agora d'Alejandro Amenabar ***

2010-01-18T04:27:00.013+01:00

IVème siècle après Jésus-Christ. L'Egypte est sous domination romaine. A Alexandrie, la révolte des Chrétiens gronde. Réfugiée dans la grande Bibliothèque, désormais menacée par la colère des insurgés, la brillante philosophe-astronome Hypatie tente de préserver les connaissances accumulées depuis des siècles, avec l'aide de ses disciples.
Parmi eux, deux hommes se disputent l'amour d'Hypatie : Oreste et le jeune esclave Davus, déchiré entre ses sentiments et la perspective d'être affranchi s'il accepte de rejoindre les Chrétiens, de plus en plus puissants...

Nicole Kidman a refusé d'incarner le rôle d'Hypathie, source de controverses, et c'est tant mieux car nous ne perdons pas au change, au contraire : la sublime Rachel Weisz (The constant gardener) incarne la philosophe, personnage central et clé de ce péplum-qui-n'en-est-pas-vraiment-un.
Amenabar, réalisateur d'origine espagnole est connu pour ses films glaçants Ouvre les yeux et Les autres. Il passe à un autre style de film sans s'y casser les dents et prouve qu'un film d'auteur à grand (très grand) budget peut encore exister. Les scène d'actions sont novatrices et parfaitement maîtrisées, la reconstitution impeccable, les scène intimes sont aussi bien tournées et fortes que les scènes d'actions et des plans intriguant et audacieux viennent nous rappeler qu'il s'agit d'un film fait par un artiste et non par un technicien au service d'Hollywood.
Le personnage d'Hypathie, figure centrale de l'intrigue, jeune femme de génie sourde aux bassesses humaines, éprise de science et de quête de vérité, accroche et fascine le spectateur autant qu'elle déchaîne les passions. Elle s'affirme comme un esprit avant d'être une femme -enfermée dans son inflexible ascèse- et refusant l'amour de son disciple et de son esclave, elle devient femme d'influence, femme politique, symbole d'un monde à détruire pour ses détracteurs. En somme, elle bouleverse autant qu'elle dérange. Présence charismatique et interprétation impeccable de Rachel Weisz qui trouve ici écrin à son talent après des débuts difficiles -La momie.

Autour d'elle, les intellectuels et cinéphiles découvriront avec surprise Michael Lonsdale (oui celui des films de Marguerite Duras ou de La question humaine) mais aussi des visages familiers tels que celui du très mignon Max Minghella (Art School Confidential) ou celui du terrifiant Ashraf Barhom (La fiancée syrienne, Paradise now).

Agora peut être un film très dérangeant pour le spectateur croyant -un film certainement plus scandaleux en Espagne ou aux États Unis qu'au pays de Voltaire. Car le réalisateur se place ostensiblement du côté de son héroïne, qui ne croit qu'en la science, et montre un visage barbare et dangereux des religions -quelles qu'elles soient. L'épilogue, fondé sur des réalités historiques, montre un visage peu avenant de la religion chrétienne.
Difficile aussi de ne pas établir un parallèle évident avec le monde actuel, là où tant de guerres ou d'actes sanglants ont été provoqués avec, pour otage ou prétexte, la Vérité et la Volonté Divine, prétexte aux manipulations et oppressions politiques, aux injustices, aux bains de sang.

Site officiel du film : http://agorathemovie.com/

Décidez du thème de la prochaine émission qu'est-ce qu'on en pense Cinéma!

2010-01-05T10:27:00.002+01:00

Thème de l'émission du 25 Janvier

Tetro... beau ! ****

2010-01-03T16:15:00.011+01:00

F..F. Coppola avait presque disparu de notre conscient, après avoir marqué l'histoire du cinéma avec ces pièces de maître, les plus connues, que sont Apocalipse now, et la série des Parrains.
Les années 2000 ne furent pas les siennes -la succession étant par ailleurs bien assurée par sa fille. A croire qu'il attendait l'orée -l'aube?- de la deux cent unième décennie pour rappeler de quel cinéma il se déclare, de quelles inspirations lyriques il était capable.
Le Parrain est de retour serait-on tenté de dire, avec une coloration cette fois-ci très indépendante, novatrice même. Les flashback colorés répondent par merveille au léché du noir et blanc narratif, l'effet peut sembler tout à la fois simple, étrange; il est en fait symbolique de la réussite du film, qui convie différents arts, différentes intrigues, différentes lumières, différents plans, le tout dans une musique littéraire orchestrée de baguettes de maître.
Coppola sait de plus ici séduire un public moins testostéroné, si les thèmes de parricide, de référence au père, de trahison, de lutte d'influence, la rivalité ne nous sont pas étrangers dans sa filmographie, ici la relation à trois entre les personnages, tous excellemment interprétés - Vincent Gallo, Alden Ehrenreich, Maribel Verdu -, passionne très rapidement, le mystère plane, les mises en abîmes se succèdent les unes aux autres, nous sommes conviés à un voyage artistique, de l'opérette au théâtre de cabaret, du concert à la littérature; les destins se croisent et se rencontrent.

Cinéma américain peut être, à l'inspiration indépendante, à la coloration européenne.

L'ambiance nous questionne, nous émeut aussi, en quelques mots, ce film présente un charisme singulier.

Une véritable réussite, à laquelle les effets spéciaux, qui sont nombreux, contribuent dans une orientation rare; à la surenchère et à la démonstration, Coppola préfère la finesse, l'invention onirique, le tout en grande discrétion. Le seul bémol que l'on pourrait émettre serait le trop plein scénaristique, mais est-ce un mal ?

Pourquoi ce film n'a-t-il pas trouvé sa place dans la sélection officielle de Cannes ? Pas suffisamment austère peut être ... Dommage, quelques récompenses se sont sans doutes perdues.

TETRO - BANDE-ANNONCE VOST FR (Francis Ford Coppola)

Palmarès 2009 de Fred

2010-01-03T14:51:00.003+01:00

Palmarès 2009 d'Emilie

2010-01-02T19:33:00.001+01:00

Autre chef d'oeuvre : HADEWIJCH de Bruno Dumont *****

2009-12-05T05:19:00.002+01:00

A voir absolument, quoi que cela vous coûte.

Vincere de Marco Bellochio : attention, chef d'oeuvre ! *****

2009-12-05T05:16:00.003+01:00

On n'avait pas vu ça depuis L'Amour Braque de Zulawski.

Soirée Fantastique à Fougéres

2009-11-26T12:08:00.007+01:00

Le cinéma Le Club de Fougères organise une soirée fantastique, le vendredi 4 décembre, avec deux films: La Route de John Hillcoat et The Children de Tom Shankland. La soirée débutera à 20H avec celui-ci:

Il y a maintenant plus de dix ans que le monde a explosé. Personne ne sait ce qui s'est passé. Ceux qui ont survécu se souviennent d'un gigantesque éclair aveuglant, et puis plus rien. Plus d'énergie, plus de végétation, plus de nourriture... Les derniers survivants rôdent dans un monde dévasté et couvert de cendre qui n'est plus que l'ombre de ce qu'il fut. C'est dans ce décor d'apocalypse qu'un père et son fils errent en poussant devant eux un caddie rempli d'objets hétéroclites - le peu qu'ils ont pu sauver et qu'ils doivent protéger. Ils sont sur leurs gardes, le danger guette. L'humanité est retournée à la barbarie. Alors qu'ils suivent une ancienne autoroute menant vers l'océan, le père se souvient de sa femme et le jeune garçon découvre les restes de ce qui fut la civilisation. Durant leur périple, ils vont faire des
rencontres dangereuses et fascinantes. Même si le père n'a ni but ni espoir, il s'efforce de rester debout pour celui qui est désormais son seul univers.

Puis à 22H30:

Deux familles se réunissent dans une maison de campagne pour célébrer les fêtes de Noël. Un havre de repos pour les parents, un parfait terrain de jeu pour les enfants. Très vite pourtant, ce moment privilégié prend une tournure qu'aucun des adultes n'aurait pu envisager : leurs propres enfants, sous l'effet d'un mal mystérieux, se retournent contre eux avec une cruauté et une ingéniosité implacables.

Deux bons films fantastique pour 11€, mais si on veut les films peuvent être vus indépendamment pour son tarif normal. Pour plus d'info, addictes d'hémoglobines, c'est ici

Les Herbes Folles***

2009-11-08T18:53:00.003+01:00

Les Herbes Folles est le nouveau film d'Alain Resnais qui a reçu un prix exceptionnel du jury au dernier festival de Cannes. Le réalisateur agé de 87 ans n'en finit pas de nous étonner, une fois de plus avec cette histoire surprenante, étrange fruit de son imaginaire débridé. Car depuis quelques années on reconnait au fil de ses films les ingrédients de son cinéma : beaucoup de fantaisie, de la folie douce, une place importante accordée à l'imaginaire et un univers visuel fort.

Les Herbes Folles est l'adaptation d'un roman de Christian Gailly "L'incident". Resnais met en scène une femme Marguerite Muir (Sabine Azéma) qui se fait voler son sac à main à la sortie d'un magasin de chaussures. Un homme retraité Georges Palet (André Dussolier) va retrouver un portefeuille appartenant à cette femme et va alors vouloir retouver sa trace, rencontrer cette femme, la connaitre peut être c'est ce qu'on verra. L'histoire nous est racontée par la voix off d'Edouard Baer. On entre alors dans le film comme dans un conte, comme une histoire qu'on raconte à des enfants qui rêvent d'évasion, de surprises voire d'enchantements. Dès le début du film on s'attache à son atmosphère étrange, singulière, décalée. En effet on retrouve le tandem Dussolier-Azéma socle de la famille Resnais qui s'ouvre à de nouveaux comédiens comme Mathieu Amalric, Emmanuelle Devos, Anne Consigny ou encore Sarah Forestier et Nicolas Duvauchelle. Ce qui nous intéresse c'est le destin du couple Dussolier- Azéma, pas tant leur histoire mais plutôt la façon de la raconter, da la mettre en scène. Du point de vue de la mise en scène, Resnais montre une liberté totale qui lui permet toutes les audaces formelles. Par exemple lors d'un déjeuner familial, la caméra s'égare, virevolte sur un air jazzy. On ressent le plaisir de filmer du réalisateur. On est aussi frappé par le traitement des couleurs du chef opérateur Eric Gautier qui avait déja travaillé sur le précédent Coeurs. Son travail rappelle un certain Wong kar Wai. Les couleurs vives donnent un aspect surréaliste au film (la coiffure rouge pétante de Sabine Azéma, Les robes d'Anne Consigny...).

On peut noter également concernant les personnages du film qu'Alain Resnais s'est inspiré des comics. En effet certains sont représentés comme des personnages de b.d, le duo de policiers par exemple ressemble aux dupont-dupont. Alain Resnais crée son propre monde. Il se permet aussi d'inclure une fausse fin dans le film. Cependant on peut se sentir perdu par une narration un peu brouillonne, frustré par le manque d'épaisseur des personnages . On se dit finalement que Resnais à 87 ans expérimente encore et que ce qu'il aime c'est réserver des surprises au spectateur, le déconcerter aussi. Pari tenu.

le Ruban Blanc**

2009-10-22T19:29:00.009+02:00

Dans le Ruban Blanc, Michael Haneke nous transporte en 1913 en Allemagne du nord dans un village protestant à la veille de la première guerre mondiale. Des évenements étranges sont survenus dans ce village. Un narrateur âgé, l'instituteur du village, nous raconte cette histoire qui s'est déroulée dans sa jeunesse pour lui apporter un nouvel éclairage. En effet plusieurs évenements restent inexpliqués : un médecin accidenté, le fils du baron malmené et un enfant trisomique dont on a tenté de crever les yeux ...

Haneke nous plonge dans un univers austère, filmé en noir et blanc, en costumes d'époque (à ce titre la reconstitution historique est parfaite de précision). La mise en scène est rigoureuse avec des plans très soignés. Un univers apparemment policé qui dévoile des pesonnages étranges et des enfants tourmentés. Une éducation rigoriste est donnée à ces jeunes allemands. Haneke nous dépeint des personnages viciés dans leur noirceur : un pasteur autoritaire, un régisseur violent et un médecin sadique. Ce sont les visages des enfants qui disent le mieux la peur et l'enfermement qu'on leur transmet. Contrairement aux autres films de Haneke, la violence est souvent hors champ, n'est pas démonstrative mais se cache derrière les portes. Haneke suggère plus qu'il ne montre. Une violence mentale est exercée sur les enfants. Le Ruban Blanc est un film où les bons sentiments sont absents, refoulés ou cachés pour reprendre un titre de ces films. La seule lumière vient de l'instituteur, qui raconte l'histoire, c'est un homme ouvert. Sa rencontre avec une jeune nurse du domaine va conduire le film parfois vers une dimension plus apaisée, plus romantique.

Haneke décrit également les rapports de pouvoir entre le baron du village et les simples fermiers. Il y décrit l'injustice qui conduira un homme au suicide. Les images violentes comme la pendaison d'un fermier sont furtives mais marquent les esprits. Parallèlement une enquète policière suit son cours sur les événements tragiques qui frappent le village mais ceux-ci semblent être un prétexte narratif pour explorer l'âme des habitants, l'âme humaine en général.

On peut noter la prestation remarquable des enfants. La signification du titre du film est assez simple. Le ruban Blanc est le ruban que le pasteur noue aux bras de ses enfants pour les purifier. Là encore l'idée du mal est récurrente dans les films d'Haneke. Sauf que, dans ce film, on ne soigne pas le mal mais on l'entretient ou on l'invente. On peut voir à ce titre une critique du protestantisme dans ce qu'il a d'extrême et de systématique.

Voir ici la bande annonce

Court Métrange

2009-10-22T04:01:00.005+02:00

Festival rennais du
court métrage insolite et fantastique

Le Ruban blanc **

2009-10-22T03:41:00.001+02:00

Eclair de Jesco White, Von Trier D'or *****

2009-10-18T16:44:00.006+02:00

Cannes décerne chaque année ses Palmes, Dinard remet ses Hitchcoks à ses lauréats.

Pourtant, avec White Lightnin', littéralement "Eclair blanc" ou plus justement l'éclair Jesco "White", Dominic Murphy aurait mérité plus encore un Von Trier d'or (mais non un Dogma d'or). Car si cette œuvre a de quoi effrayer, angoisser, la référence à Hitchcock est bien trop lointaine; la lignée est ailleurs. Nul suspense, nulle intrigue; en lieu et place un simple destin, un destin simple, celui de Jesco White, danseur illuminé de tap-danse, danse des montagnes, tiré d'une histoire vraie. La trame chronologique choisie s'avère parfaitement didactique; le spectateur se voit tour à tour exposer d'une part les causes, le contexte social et familial, par ailleurs dans une parenthèse enchanteresse une incursion dans le réel, le concret, la vie rédemptrice, et d'autre part les conséquences, les actes. Le mot n'est jamais prononcé mais le film questionne en permanence la maladie mentale, une psychose schizophrénique vraisemblablement. Le plus plausiblement, nous interprétons que la maladie se déclenche contextuellement, tout d'abord par un climat social difficile et asphyxiant, de celui qui nous fait dire "ce n’est pas gagné d'avance" ou "y'a du boulot". Tout est presque perdu d'avance à vrai dire, et la tâche semble insurmontable. Loin du confort bourgeois, loin des strass et paillettes d'une enfance châtelaine qui nous est si souvent contée, nous nous trouvons ici face à une vie à la marge, faite d'incertitudes, de difficultés à joindre les deux bouts, de dureté dans les rapports, de débauches fréquentes, de dérèglements : l'enfance de Jesco White lui appartient pleinement, si ce n'est cette lignée paternelle, ce don de la danse que lui enseigne son père; Jesco sera le dernier danseur des montagnes appalaches.

Dans ce contexte précis, fuir, s'échapper, intègre tout naturellement le quotidien d'un enfant de 6 ans, livré à lui même, livré à ses démons (Le diable probablement dirait Bresson), l'essence humée procure avec facilité cette nécessité de l'ailleurs, ce besoin d'apaisement. L'addiction naît, peut-on dire, en conséquence. Pourtant celle-ci en retour produit ses effets, l'absence de construction mentale, l'absence de repère, ce "no limit" qui légitime la violence et les excès, l'agissement sans discernement de ces notions essentielles que sont le Bien et le Mal ici confuses et récupérées: les sens perturbés par l'essence, l'essence de la vie évaporée, l'essence d'une déraison contre laquelle la société lutte; centres de rééducation en substitut; le démon doit être maté; la violence éducatrice en réponse à la violence. Cause ou conséquence, à chacun d'essayer d'y voir clair, car Dominic Murphy opte pour la confusion du genre et s'écarte de toute entreprise de dénonciation, de toute poésie élévatrice - la comparaison avec Birdie ou Vol au dessus d'un nid de coucou est vaine -, de toute construction manichéenne et pourtant il ne joue aucunement sur les nuances, il donne la parole au délire, parti pris rare, sans distance. Le narrateur décrit lui même sa confusion psychiatrique, y mêle un mysticisme emprunt aux dérives sectaires, aux messages appuyés par des réécritures, réinterprétations de références religieuses. De la confusion des genres naît la confusion des sens qui nous est exposée, nous mène de fausses pistes en fausses pistes - et pourtant l'effet de surprise ne devrait exister, car tout est dit, tout, une chose mais aussi son contraire. Les paradoxes sont innombrables, notre cerveau est invité à analyser, encaisser devrait-on dire, des signaux contradictoires qui jouent sur l'ensemble de nos cordes sensibles: amour, haine, violence, rédemption, vengeance, lutte intérieur; tels sont quelques sentiments que le récit traverse, dans ce qu'il serait honnête d'appeler un voyage psychiatrique. Tout comme "Breaking the wave", la narration se construit en tableaux, dans une photographie tout simplement magnifique. Maestria.

Le personnage principal parvient à nous être parfois sympathique, nous en sommes amenés à compatir, et il convient ici de relever l'interprétation exceptionnelle d'Edward Hogg, au regard de chien battu, de chien fou, crédible dans les sensibles instants, les meilleurs mais aussi et surtout les pires, qui nous rappelle par exemple la révolte lue dans le regard de Daniel Day Lewis dans "Au nom du père".

Nous avons tu jusqu'alors que le film ne peut être visionné par tous, et nous devrions aussi dans ce cas aussi taire que le film est une véritable épreuve pour le spectateur, épreuve sensuelle radicale, que d'aucuns qualifieront de prises d'otages, épreuve insoutenable tant la violence y atteint des sommets inégalés, à faire passer "Irréversible" pour une production Walt Disney, épreuve dont on ne sort pas indemne, épreuve qu'il convient cependant de nommer de son nom: chef d'œuvre notoire, comme l'était "Orange Mécanique" en son temps.

N'en déplaise à tous ceux que la radicalité rebute, ce film est l'un des meilleurs du genre; la provocation permanente des sons et des images dérange au final peut être moins que l'intégration aseptisée des dérives psychiatriques en poivre et sel de vinaigrettes fadasses et conventionnelles. Quand la violence est le sujet, elle est légitime. La fonction cathartique n'est pas assurée cependant: interdisons, par précaution, ce chef d'œuvre aux âmes qui se laisseraient perturber.

Télécharger le dossier de presse

500 jours ensemble **

2009-10-16T00:00:00.016+02:00

500 jours ensemble est le premier long métrage de Marc Webb. Cet ancien réalisateur de clips (pour les groupes Maroon 5 ou Evanescence entre autres) est passé à la réalisation de films. Il met en scène Tom un jeune publicitaire qui va avoir un coup de foudre pour Summer la secrétaire de son patron. Nous sommes donc en présence d'une comédie romantique qui refuse de tomber dans la mièvrerie ou la banalité par le choix d'une mise en scène ludique et pleine de surprises. Pendant 500 jours nous voyageons dans la mémoire de Tom qui repasse les différentes étapes de sa relation avec Summer : de la première rencontre à la rupture. Tom est un idéaliste de l'amour tandis que Summer ne croit pas au grand amour. De cette divergence naitront les premières difficultés de leur relation. Comme le dit la voix off du film : "ce n'est pas une histoire d'amour mais un film qui parle d'amour".

Pendant ces 500 jours nous ferons des allers et retours dans les souvenirs de Tom, les moments d'euphorie, les jours tristes, les blessures puis les haines essentiellement de son point de vue On peut voir le film comme une étude des états amoureux mais traitée d'une manière ludique. Ce film est tout d'abord un bon divertissement issu du cinéma indépendant américain. On peut noter également la place importante accordée à la musique. Une bande originale très pop ajoute des couleurs au film. Et puis les personnages eux-mêmes parlent musique , des Smiths de Ringo Starr, chantent les Pixies à un karaoké. A ce titre le film fait référence à un autre succès du cinéma indépendant Juno où on parlait musique également.

500 JOURS ENSEMBLE - BANDE-ANNONCE VF

Dinard, 20eme, bon millésime !

2009-10-12T20:38:00.002+02:00

Nous avons couvert le festival 2009 de Dinard, qui, cette année, fêtait ses 20 ans sous l'œil bienveillant du grand Alfred, dont la nouvelle statue a été inaugurée.

La programmation, le jury, les participants ont été à la hauteur de cette anniversaire.

Nous avons assisté à l'ensemble du festival -cérémonies et projections- et aussi pu interviewer, notamment, Jean-Pierre Lavoignat (sans qui "Première"et "Studio" n'existeraient pas) ainsi que Zoé Felix (interprète de l'excellent Déjà Mort mais aussi des succès records Bienvenue chez les Ch'tis et Clara Sheller) mais aussi des membres lambda du public -sans qui le festival ne serait pas.

Le prix du jury White lightnin', film à qui Irréversible, de Gaspard Noé, n'a rien à envier tant par son propos que son esthétique insoutenables, créé la polémique. Le choix du public, lui, est diamétralement opposé, s'orientant vers l'optimiste et la gaieté avec le documentaire Sounds like teen spirit. Enfin, le prix du scénario, Jean Charles, en associant virtuosité romanesque et faits inspirés d'une réalité politique nous a particulièrement touché.

Par ailleurs, d'autres films, toutes catégories confondues, sont de très haut vol et méritent toute l'attention d'un large public, notamment les provocants Ivul, An education, ou bien encore She, a chinese, en compétition.

Dans un registre plus léger mais moins réussi, Lesbian vampire killers et The calling ont déclenché un enthousiasme spontané et contextuel dans la salle...

Au voleur : L'échappée belle

2009-10-11T18:05:00.003+02:00

Au voleur marque une des dernières apparitions de guillaume Depardieu à l'écran . Dans ce film , on le retrouve dans la peau d'un voleur qui va rencontrer une jeune professeur d'allemand incarnée par florence Loiret-caille .ils vont se plaire mais très vite , la vie hors la loi de Depardieu va les contraindre à prendre la fuite .C'est le début alors d'une cavale amoureuse dans une forêt près des bords de Seine .Le fim va prendre un ton naturaliste . On sort du décor initial , d'une ville de banlieue d'Ille de France pour s'immerger dans la nature .Les deux amants quittent alors le monde social pour s'aimer en toute liberté .D'ailleurs ils se savent traqués par la police .Mais cette menace ne les empêche pas de vivre au jour le jour . L'histoire pourrait avoir des allures de film policier mais la réalisatrice se concentre surtout à filmer un couple qui doit vivre dans un environnement étranger .Une réelle complicité s'opère entre les deux comédiens qui incarnent des personnages sensibles et attachants .Attachant est le qualificatif qui convient bien au rôle de Depardieu :personnage à la fois vulnérable très crédible en marginal à l'humanité décelable dans le regard , dans son attention portée à la vie . On avait déja vu Depardieu dans Versailles jouant le rôle d'un sdf prenant sous son aile un petit garçon . Guillaume Depardieu incarnait à la perfection les personnages en marge , à hauteur d'homme qui savait jouer avec leurs failles tout en conférant à ses personnages une véritable force .Depardieu avait comme son père une gueule de cinéma mais il avait surtout une beauté étrange et l'âme d'un poête .

Le film est à la fois empreint d'une dimension sociale ( la jeune prof d'allemand enseigne en z.e.p)et d'une dimension naturaliste (les paysages de forêt ).La partie la plus intéressante plastiquement est la partie naturaliste oû la nature est sublimée .Cette cavale parfois aux airs bucoliques rappelle les films de Terence Malick et principalement badlands oû là aussi il est question d'un couple en cavale .Mais surtout Malick est le cinéaste naturaliste par excellence et apparait comme un modèle pour la réalistrice sarah Leonor .On peut parler aussi de la bande originale qui colle très bien aux plans et à l'atmosphère d'évasion du film .On retrouve un mélange de musique folk , country (woody guthrie )et des percussions algériennes . Une musique et des ballades qui renvoient à un certain imaginaire américain .Je ne dévoilerai pas l'issue de la cavale mais je peux juste dire que la pirouette finale fait penser à A bout de souffle .Depardieu a tiré sa réverence d'une belle manière . On regrettera de ne plus le voir aujourd'hui pour ce qu'il avait d'unique et de sauvage ,d'humain et d'indécelable .

Partir **(*)

2009-09-22T00:01:00.002+02:00

Partir. Ce n'est pas une question. C'est une affirmation.
Thèse fémisniste ici mise en lumière par Catherine, Breillat me demanderez-vous, Corsini (La nouvelle Eve, la répétition) vous répondrais-je.
Nous avons définitivement quitté le ton rigolard qui s'amusait de la crise de la trentaine, pour un ton plus affirmé; plus dur, plus féministe, plus érotique. Le film explore deux relations, deux sentiments. D'un côté, l'épouse mère, rompue aux tâches ménagères, lié à un mari charmant au sens matérialiste du terme. De l'autre, la femme, qui s'ennuie, qui est dévalorisée en permanence, dépendante, qui épouse les projets de son mari et de ses conceptions toutes faites de la réussite, face à ses désirs d'ailleurs, d'autre chose, de quelqu'un d'autre. Ce film Doillon l'aurait peut être appelé "Le premier venu".
Kristin Scott Thomas a été choisie pour incarner cette femme qui décide de prendre son destin en main, de démarrer une nouvelle vie, de façon très égoïste certes, mais elle n'y peut rien dit-elle, c'est plus fort qu'elle. Elle est objet de désir, mais surtout sujette à désir. Corsini aime à en explorer l'intensité , qu'elle projette sur cet ouvrier (Sergi Lopez) juste sorti de prison, aux aspirations poétiques, dans une photographie certes crue mais qui doit retranscrire la passion corporelle, le partage des corps.

A contrario, les scénes conjugales laissent place à un plaisir à l'initiative, aucunement partagé. L'amour pour le docteur richissime et possessif, Yvan Attal en amoureux trompé, au comportement dominant, pour ne pas dire castrateur, est parti.

Le personnage de Kristin Scott Thomas décide elle aussi de partir.
L'intérêt du film pourrait résider dans le dilemne de la relation, ou dans l'opposition des deux sentiments. Mais à dire vrai, seule une seule des deux relations s'imposent à nous avec justesse, l'autre nous décoit davantage, avec une impression de déjà vu ailleurs, voire de cliché.
Oui, la relation qui mérite le détour est celle entre le mari et la femme (à moindre titre celle entre la mère et ses enfants); notamment certaines scènes sont très fortes; les larmes d'Yvan Attal y sont peut être pour quelque chose. Certains diraient que ces scènes sont belles; belles dans leur extrême dureté, dans leur radicalité, et peut être principalement dans leurs douleurs exposées, aux consonnances réelles, dans une société française où le destin féminin s'impose de plus en plus à lui même, où les femmes refusent de plus en plus souvent la soumission que les hommes leur ont imposé en grand naturel.
On se posera la question de l'inspiration de Catherine Corsini, on s'interrogera sur la volonté de filmer cette émancipation.

Fish Tank ***

2009-09-19T21:31:00.007+02:00

Fish Tank est le second film anglais d'Andrea Arnold après Redroad. Il a reçu le prix du jury au dernier festival de cannes ... un prix amplement mérité. Fish tank c'est l'histoire d'une adolescente de 15 ans, Mia qui vit dans une banlieue morne de l'Essex à l'est de Londres, avec sa mère qui l'éleve seule et sa petite soeur. Mia est une dure à cuire, une rebelle. Les premiers plans du film tournés caméra à l'épaule nous la montrent instable, sauvage, s'exprimant avec un langage de charretier, cherchant dans sa cité une autre jeune fille pour finalement aller lui coller un coup de boule en pleine tête. Nous avons donc à faire à un caractère bien trempé. De plus les relations familiales ne sont pas réellement au beau fixe avec une mère peu aimante et une petite soeur qui manie la langue anglaise comme elle. Au premier abord, on se sent donc proche d'un cinéma social à la Ken Loach, une cité délaissée, des problèmes familiaux, un personnage écorché. Deux évenements vont cependant faire basculer l'histoire : l'intérêt de Mia pour la danse Hip Hop et l'arrivée dans la famille du nouvel amant de sa mère.

La plus belle partie du film naît de cette rencontre entre le nouvel amant de sa mère et Mia. Lui est un homme très sexy et elle une adolescente pas vraiment consciente de sa féminité. L'homme est interprété par Michael Fassbender qui a déja joué dans Hunger de Steve Macqueen ou encore dans le dernier Tarantino. Elle va lui faire partager sa nouvelle passion pour la danse Hip hop tandis que lui va s'imposer auprès d'elle comme un père de substitution, un confident voire un amant potentiel .

Sans lorgner vers la comédie sentimentale, le film va s'aventurer à nous décrire un éveil sensuel naissant chez la jeune femme et va alimenter l'histoire d'un certain érotisme très bien rendu dans des plans au ralenti où les respirations se font entendre où Mia semble finalement apaisée. La découverte du désir chez cette jeune femme rend bien compte de la vulnérabilité des adolescents et de toute la sensualité que peut récéler cet âge là.

Ce n'est pas un film social de plus, Andrea Arnold prend des chemins de traverse et nous raconte avant tout l'histoire d'une jeune femme qui va apprendre à se découvrir. On peut encore vanter les mérites de cette jeune actrice de 17 ans Katie Jarvis qui illumine le film quand elle sourit (rarement) et la comparer aux révélations qu'ont pu etre Emilie Dequenne dans Rosetta ou encore Sandrine Bonnaire dans "à nos amours".

On peut également noter que le titre du film signifierait un poisson dans un aquarium bien que la réalisatrice dit bien qu'il n'ya pas de sens définis au titre .

Bande-annonce Fish Tank

Singularités d'une jeune fille blonde **

2009-09-12T14:55:00.002+02:00

Il ne reste guère que Manoel De Oliveira. Nos autres grands maîtres, défenseurs du cinéma intellectualisé, quasi centenaires, ont disparu l'année dernière, presque l'un après l'autre (Antonioni, Bergman). Monsieur Oliveira nous livre régulièrement sa réflexion de l'année, et questionne la culture. Cette fois-ci, il s'arrête sur une réflexion de Pessoa, le temps d'une nouvelle adaptée, pour mettre en illustration cette pensée: "Tout le mal du monde vient de ce que nous nous intéressons aux autres". Et la forme mérite commentaires ! Nous sommes premièrement très surpris de l'aspect narratif, qui nous rappelle un peu Bergman; nous spectateurs, en même temps qu'une dame dans le bus, sommes invités à entendre les malheurs qui sont arrivés à un jeune amoureux. Etrange intemporalité de ce film, pourtant sans référence chronologique marquée, mais les comportements rigides, presques risibles, sonnent désuets. Parfois, on pense à Dom Quichotte. La forme, c'est surtout celle d'une bluette que se permet le maître, on pense encore à "l'anglaise et le Duc" de Rohmer, autre spécialiste du désuet, en plus accessible cependant. Sans musique qui plus est. Ici la forme est volontairement courte, seulement une heure, un petit film de chambre pour un compositeur habitué aux symphonies, une nouvelle pour un écrivain goncourisé. Une petite fable, étrange et légèrement subtile, qui prend le temps d'exposer quelques vers de Pessoa, autre référence obligatoire de la culture lisutanienne, mais surtout une fable farce, clin d'oeil, ironique. Quelle charmante façon de filmer une embrassade ! Les visages, pourtant mis en valeur dans de nombreux portraits arrêtés, sont ici oubliés, pour laisser place à un jeu de pied évocateur. Ellipse charmante.

L'actrice principale, Catarina Wallenstein, au minois qui nous rappelle tout à la fois Britney Spears et Hélène de Fougerolles, est une inconnue en France, et n'est pas une habituée d'Oliveira, au contraire de son petit fils, Ricardo Trepa. Elle joue posée, gracieuse et élégante. On s'amuse de la quête amoureuse du jeune homme, qui très rapidement en vient à des projets de mariage, son but ultime qui lui vaut déboires et désillusions; l'homme fauché, mis dans la rue et à pied par son Oncle protecteur et influent, outré des projets de mariage, rencontre un bienfaiteur qui lui vaut fortune dans un premier temps, mais lui reprend tout aussitôt, profitant de sa naiveté.

La providence repasse par là, la fortune l'attend de nouveau au Cap vert, et l'oncle rigide vire soudainement et réintroduit son brillant neveu; le tapis rouge au mariage et au projet de bonheur ! Quel bonheur ? Et très brièvement, très légérement même, l'ironie du sort ressurgit, et la pensée de Pessoa est mise en abîme avec un train qui passe, mais ne s'arrête pas. Rigolo. Au final, Oliveira nous livre ici un récit léger et accessible, presque didactique de son oeuvre entière.

Singularités d'une jeune fille blonde - Bande-annonce

Aucun regret ***

2009-09-12T01:38:00.001+02:00

L'ennui pouvait ennuyer. La plastique était belle, Sophie Guillemin moins, mais son jeu sonnait étrange et tout ou presque reposait sur cet échange avec un Berling plutôt atone et désirant.
La rencontre entre un acteur professionnel et une amatrice, un choc des contraires, dans le casting et à l'écran.
Le nom Cédric Kahn s'était imposé, la critique a su voir l'esthète.
Quelques années plus tard, le désir interroge de nouveau le réalisateur, toujours aussi attiré par les conflits internes, les pulsions amoureuses, l'épanouissement corporel. Mais cette fois-ci, Cedric Kahn s'intéresse aux regrets du désir, à une mémoire d'un désir, et la liberté de création permet de réveiller les émois enfouis, refoulés. Il offre à Yvan Attal, bien loin de ses compositions récentes ou plus anciennes, d'adolescent turbulent (Aux yeux du monde), l'occasion de briller en amoureux retrouvé, en homme fougueux qui se réveille soudainement pour redonner sens à sa vie. Ce rôle est assez fort.
Surtout, à la différence de l'ennui, Kahn nous étonne en peignant des personnages expressifs, passionnés, et empreints de sentimentalité. La peinture n'est pas uniquement statique, elle est dynamique, au point que Cedric Kahn lui même considère son film comme un film d'actions !
Les évènements romanesques s'enchaînent, alors que nous restons pour autant dans un cinéma de gestes, où les silences et les expressions; à l'image d'un Bresson; composent eux aussi un dialogue, une histoire.
De nombreux plans s'arrêtent, et tour à tour nous saisissent, nous glacent, nous interloquent, nous interrogent. Nous sommes dans un cinéma en mouvement, entraînés dans une fuite plutôt effrénée dont l'issue nous est inconnue; il en émane la naissance d'un suspens que la musique stridente de Philip Glass entretient.
La recette est pourtant connue, Kahn dit l'emprunter pour partie à Truffaut et à "la Femme d'à côté", sur cette question du retour du passé enfouie , dont le deuil n'a jamais été fait, dans le présent, mais aussi dans cet amour interdit, qui rapproche deux être très différents et quelque part complémentaire. Yvan Attal campe Mathieu, un "terrien", architecte à l'ambition mesurée, rangé dans son quotidien professionnel qu'il partage avec son épouse presque à son image, jouée par l'intéressante Arly Jover, que l'on avait aperçu notamment dans "le voyage aux Pyrénées", le film des frères Larrieu, qui réunissait aussi au casting Philippe Katerine . Il avance jusqu'alors dans la vie avec certitude, et veut maîtriser son destin; il prend les décisions, vit dans le présent.
Valeria Bruni Teddeschi, Maya, incarne elle une jeune femme qui se laisse envahir par ses instincts, se laisse guider par la vie, ici ou là; elle subit la vie, ses aléas. Le passé lui a valu infortune; elle s'accroche à des projets qui ne sont pas les siens. Sensuelle, énigmatique, incohérente, animée; son personnage est mystérieux. La demie-sœur de Carla Bruni nous rappelle ici son rôle dans "Les gens normaux n'ont rien d'exceptionnel"de Laurence Ferreira Barbosa, au scénario duquel avait participé un certain Cedric Kahn.

Tous deux se sont aimés dans leur prime jeunesse, d'un amour ambitieux, difficile; le désir les envoûte, les dépasse, leur fait peur. La cristallisation Stendahlienne s'éternise, les doutes ne laissent pas place aux certitudes, l'union fait naître la douleur de l'absence, la nécessité de la fuite.
La fuite qui permet le retour au calme, à la stabilité, bien loin des projets d'aventure.
Le film raconte la résurgence subite de cet amour dans l'esprit de Mathieu; perturbé par la mort de sa mère à laquelle il assiste. Il en souffre. Les images du jeune Mathieu restent en lui; il se sépare des choses qui restent, de quelques mémoires, mais souhaite toujours honorer et respecter son passé, et ne pas vendre les biens de ses parents, alors que son frère qui a depuis longtemps tourné la page ne s'embarrasse pas de pareil sentimentalité; et le lui fait bien savoir dans un reproche cinglant. Mathieu a réussi "en apparence" semble-t-il lui dire, le fragilisant peut être dans ses certitudes auxquelles il se raccroche, notamment dans cet amour qu'il a "bien sûr" pour sa femme. La fragilité le rattrape dés qu'il voit Maya ...
La suite et la fin, nous ne la regrettons pas. Le cinéaste fait preuve d'une belle qualité narrative, d'un esprit romanesque animé; il prend soin d'éviter d'apitoyer sa caméra sur les victimes de ce jeu d'adultère, avec une certaine élégance pour rester sur son sujet; et surtout il conclut sur une ellipse qui nous fait dire que plus que jamais les regrets sont éternels.
A tout vous dire, si Kahn pense à une trilogie après "l'ennui" et "les regrets", conseillons lui "les remords".

Place ici à la bande annonce de ce bon film, qui laisse place à de multiples lecture.

Bande annonce "Les regrets" de Cédric Kahn

THIS IS IT

2009-09-09T20:17:00.007+02:00

Un prophète * de Jacques Audiard : descendons

2009-09-05T01:33:00.004+02:00

Il m'en vient à comparer "Un prophète" d'Audiard avec l'Alchimiste de Cuehlo, quand plus logiquement j'eus du m'en référer au Prophète de Gibran. Le "prophète" d'Audiard et "l'alchimiste" bénéficient tous deux d'une critique dithyrambique, pour ne pas dire conciliante. Est-ce un sacrilège que d'oser émettre un avis contraire jusqu'à remettre en cause la qualité même de l'une et l'autre oeuvre ?

En tout cas, ce ne puit être une prophétie, puisque le succès d'estime apparaît trivial.

Le meilleur film de la croisette, entends-je ici, livre magnifique, plein de sagesse, d'apprentissage lis-je là, acteur magnifique entends-je encore.

La comparaison est bel(le)et bien douteuse, n'en doutez pas, les deux oeuvres n'ont de semblable que l'accueil critique qu'elles reçoivent, tandis que l'un s'apparente à un conte enfantin simpliste et naïf; l'autre ressemble bien plus à un sinistre pamphlet abracadabrant. Livrons-nous à un réquisitoire qui laissera insensible les seuls non amateurs, et n'épargnera par contre pas les retranchés, les éperdus aficionados du nom Audiard, car je suppose que la filiation avec le parolier des tontons flingueurs joue pour beaucoup dans la notoriété de son fils, même si évidemment la critique l'attendait au virage. Bon, évidemment l'exagération discrédite quelque peu le propos, et le radicalisme mais aussi la simplicité du raisonnement invitent à se retrancher bien plus encore derrière cette certitude que Jacques Audiard est un grand.

Seulement, je veux ici justement démontrer que "Un prophète", adaptation de "Le prophète" d'Abdel Raouf Dafri, use lui aussi de procédés tout aussi malhonnêtes, à commencer par cette prison, lieu et thème, montée de toute pièce pour l'occasion.

Le film prend ensuite le parti du sérieux. Et sérieusement il ennuie dés le départ.

Ce film souffre d'un manque de nuance flagrant. Tout y est grossier, les grosses ficelles se succèdent les unes aux autres. Nous sommes otages. Le scénario alambiqué ne charme nullement. Audiard a sans aucun doute de quoi être infatué tant la critique est unanime envers lui, et univoque.
Tel Patrick Juvet je me demande où sont les femmes. Absence de passions, de sentiment même. Alors on se dit que le film porte à réflexion. Touché couché, point nenni ...
Je résume: Le méchant arabe va en prison mais on est pas sur qu'il est si méchant, et un méchant corse qui sait tout façon président super star, (mais il n'a donc rien d'autre à faire que de savoir ?) lui dit de tuer un méchant arabe sinon il le tue. Il est très très méchant, et faut pas qu'on le regarde quand il parle. En échange il va le protéger notre méchant qu'on croit gentil et l'embrigader dans son gang. Une fois dans son gang, on voit bien qui est le chef, mais le petit chef aimerait bien devenir chef de gang aussi. La guerre des corses et des arabes aura-t-elle lieu ? Mince alors, un corse traficote avec les italiens, et le trafic de cannabis organisé par les arabes pose souci à notre méchant héros qui ressemble à Debouze de visage. Le petit chef trahira le grand chef, histoire de lui montrer que le renouvellement des générations n'attend pas le papy-boom.
Quand je vous dis que le scénario étourdit ...

Bref, digne de Mesrine ce synopsis.
Audiard cite ici "Scarface" en contre référence, ou encore "Le parrain" en modèle. Il avoue son background limité sur les films du genre, "un condamné à mort" s'est échappé (dommage que l'on ne puisse vraiment pas faire la comparaison), les signés Giovanni dont il souligne l'éloignement, et dit encore ne pas connaître des séries américaines dont le nom n'est pas pourtant pas forcément connu du plus grand nombre.

Taisons la violence, elle est tout aussi choc que particulièrement inutile, en ce qu'elle n'est pas le véritable sujet.

Alors il peut rester la qualité esthétique. Où est elle ? Dans la couleur marron du sang peut être, c'est ma foi mieux que le rouge vif d'Argento. Plus sérieusement, les portraits sont quand même assez saisissants, notamment ceux d'Arestrup.

Quant au sujet, est-il finalement l'incarcération ? Doutons-en.

On nous dira que le film réinvente le genre, que le jeu des acteurs, bien plus Rahim le bleuet qu'Arestrup le vétéran, finalement peu cité, resplendit.

Oui, mais non.
Ceci est bien entendu subjectif, et disons-le quand même; ce billet se veut très subjectif lui aussi et est certainement teinté d'une part de mauvaise foi consécutive de la simple déception que fut la mienne face à ce Grand prix du Jury Cannois, ma foi, fort austère.

Le film plaît aux critiques, il plaira bien entendu à d'autres, mais vous l'aurez compris, je ne suis pas.

Un Prophète : Bande-annonce (VF)

Inglorious basterds ****: Tarantino retrouvé puis de nouveau perdu

2009-09-03T22:39:00.003+02:00

Excellent film!

Voilà ce que l'on dirait d'Inglorious Basterds, après avoir vu la première heure et demie. Un cinéma intelligent, fin, presque nuancé ! Des dialogues très bien sentis, une justesse de ton étonnante pour un propos tout à la fois caustique et grave. Un film particulièrement bien renseigné, fouillé. Il en ressort un plaisir visuel et sensuel, nous voyons un très bon film, Quentin Tarantino nous reprouve son talent, s'affirme en très bon cinéaste, son génie ne fait pas de doute. Nous sourions plus que nous rions, mais nous sommes captivés, stupéfaits, admiratifs parfois devant les plans, discours, situations, le tout avec un brio manifeste pour tout ce qui touche au rythme, tel un morceau de musique talentueux, le rythme oscille entre accélération, exposition lente, le tout dans un mouvement de caméra parfois cinglant, parfois rotatif, parfois contemplatif.

Parfaite maîtrise et grande justesse. Les références européennes et cinéphilliques de Tarantino sautent aux yeux. Le propos est décousu, la reconstruction historique étonnante, les scalps nous apportent un brin de violence visuel, prétexte au comique.

Quel gâchis !
Est-on pourtant tenté de dire si l'on considère la dernière demie-heure, ou tout explose, ou le scénario tenu se transforme en déferlement de n'importe quoi, certes burlesque, mais oh combien destructeur de l'entreprise de départ. Kill Bill revient au galop, il faut que ça gicle, que le sang coule, que le show soit total, sans recherche de sens,que l'action soit pleine ! Tant pis pour la trame de départ, elle était prétexte à ce grand show où le délire est roi, où la folie assassine s'empare de tous, et tant qu'à revisiter l'histoire, brûlons Hitler, mais pas seulement. Notre bon idiot de service, notre grimaçant Brad Pitt, à la manière d'un Travolta raffolant de Burgers, se cantonne dans un mimétisme simple, dans une ritualisation de ses actions.

Quand l'action et l'usuel viennent à supplanter le fondement de celle-ci, où l'un des procédés comiques dont s'amuse à tord et à travers Quentin Tarantino. Il s'amuse lui de plus en plus. Mais nous de moins en moins.

Au final, ce film nous apparâit bon, les acteurs français, à commencer par Mélanie Laurent, nous apportent une belle composition, Diane Kruger sonne elle aussi juste, nous rappelant que la consonnance germanique de son nom de famille n'est pas usurpée.

Les acteurs américains nous font sourire, le scénario est osé, et la façon de revisiter l'histoire finalement très novatrice. On vous a tout dit sur 39-45, oui, mais si on vous disait ce qui ne s'est pas passé exactement comme ça ?

Belle initiative, dommage finalement que Tarentino ait cherché la conciliation entre deux publics très différents(et pourtant l'entreprise est louable, et parfois réussit à d'autres talentueux cinéastes), les amateurs de pur divertissement et ceux qui se raccrochent à leur vision plus sélective de l'art, plus exigeants sur l'esthétique général, qui aime à retrouver dans les compositions qu'on leur soumet des composantes, dirons-nous, intellectualisantes.

Bande annonce Inglorious Basterds HD vost

Who's that knocking at my door : premier Scorcese réédité au TNB

2009-06-15T23:24:00.008+02:00

Who's that knocking at my door est le premier long métrage de Scorcese. Tourné en noir et blanc , le film date de 1969. Il pose déjà les bases de son cinéma à venir. Il affirme ses sujets de prédilection en mettant en scène Jr , interprété par un Harvey Keitel débutant: un héros tiraillé entre ses principes religieux et son désir sexuel. La religion donc mais aussi le rôle de la bande son qui tient une place prédominante dans son oeuvre. Ici nous sommes face à une bande de petites frappes adeptes des soirées arrosées et des bagarres, à l'image du plan séquence d'introduction, auxquelles participe Jr. Scorcese filme également une histoire d'amour tourmentée comme dans tous ces films. La femme convoitée par Jr doit incarner une certaine pureté au sens religieux du terme et le problème c'est que la femme en question apprend à Jr qu'elle a été violée. L'amour auquel semblait être voué les deux personnages semble être contrarié. C'est souvent le tourment qui emporte les personnages des films de Scorcese.

Pourtant cette histoire d'amour a bien commencé et est filmé par Scorcese comme une leçon de cinéma. C'est en lui parlant de La prisonnière du désert de John Ford que Jr séduit cette jeune femme. A la manière d'un Truffaut pour exprimer la singularité de son cinéma , chez Scorcese on parle des films qu'on aime. Puis viennent les "scènes de lit" dans une chambre très pieuse qui renvoient à une scène très proche de Raging bull (entre De Niro et une jeune femme ) qui fut tournée dans la chambre même de la mère de Scorcese. Dans tous ces films les histoires entre homme et femme finissent mal en général : le couple déchiré de Raging bull ou de Casino. Dans ce film la violence n'est pas encore paroxystique entre les personnages . Pas encore de Joe Pesci pour incarner la violence même si la scène inaugurale, scène de bagarre présage la violence à venir dans les prochains films . La violence donc moins présente et surtout une bande de copains qui traînent qui boivent et qui emballent les filles à l'image des Vitelloni de Fellini autre référence pour cet italo-américain qu'est Scorcese.

C'est le Scorcese débutant qu'on aime dans ce film qui tente des choses visuellement et qui marque de son sceau la pellicule. On le regarde travailler la matière cinématographique et inventer. On retrouve son style : les arrêts sur image, les ralentis qui subliment le quotidien, les inserts d'images de cinéma expression d'un certain chaos mental du héros. Ruptures pour interpeller le spectateur , qui rappellent le Godard d'A bout de souffle. On retrouve aussi une bande son rock genre de musique qui accompagnera quasiment tous ses films .

On aime encore le cinéaste débutant pour l'intimité qu'il crée dans les scènes et qu'il continuera d'exprimer dans Mean streets. Son cinéma est plus insouciant et moins démesuré que les films qui suivront. Il y a une sorte d'innocence à l'image du visage encore juvénile d'Harvey Keitel. L'utilisation du noir et blanc donne au film un aspect proche du documentaire d'autant plus quand on voit que le film constitue aussi un document sur Scorcese lui même. On ne peut éluder la part autobiographique très forte du film : les scènes à l'église pour celui qui dit avoir hésité entre une carrière de prêtre ou de cinéaste.

Des scènes de nus, fantasmes d'Harvey Keitel apparaissent dans le film, rarissime dans le cinéma scorcésien. On sent bien que ce film est à la fois fondateur de son oeuvre et à part dans ce qu'il ose montrer. Who's that knocking at my door ou les débuts d'un grand cinéaste.

WHO'S THAT KNOCKING AT MY DOOR - Bande Annonce du Film -

Les beaux gosses

2009-06-15T01:21:00.013+02:00

Les beaux gosses est le premier long métrage du dessinateur de BD Riad Sattouf. Il est connu, entre autres, pour avoir dépeint l'univers des adolescents dans sa série La vie secrète des jeunes dans Charlie Hebdo. Dans ce film, il n'y a rien à voir de commun avec les bluettes cinématographiques que sont La boum ou encore LoL . Le réalisateur évite l'écueil de ces films à l'eau de rose pour nous délivrer un univers plus "trash", plus "punk" et surtout avec un véritable regard d'auteur comique .

On suit alors les tribulations d'un jeune collégien pataud Hervé et de son copain Kamel, tronches de cinéma , qui subissent les conséquences de l'âge ingrat: boutonneux. Déboires auprès des filles sont leur lot quotidien. Les spectateurs sont donc en prise directe avec leurs questions sur la sexualité, leurs désirs voués à leur perte jusqu'au jour où Hervé le personnage principal séduit presque malgré lui Aurore une des plus belles filles du collège

Dans ce film , il y a toute une galerie de personnages aussi mémorables les uns que les autres : Hervé le jeune ado pataud qui exprime à la perfection la nonchalance de cet âge, Kamel son meilleur ami à la coupe de cheveux improbable fan de hard rock , on retrouve aussi la belle fille du collège méprisante, le caïd... Riad Sattouf évoque aussi toutes les humiliations qu'on se fait subir à cet âge où l'épanouissement apparaît très compliqué pour certains comme pour le jeune héros. Les échecs que rencontre le héros du film renforcent son pouvoir comique . Le réalisateur prend le contre pied du portrait type gravure de mode que font des ados les séries télés françaises ou américaines. Le titre du film est à cet égard très ironique. Le réalisateur dit qu'il voulait filmer avant tout des tronches et le pari est réussi .

Un univers décalé jusque dans l'attention portée aux petits rôles dont le plus marquant est celui de la mère d'Hervé interprétée par Noémie Lvovsky hilarante en mère maniaco dépressive qui ne cesse de s'immiscer dans la vie privée de son fils. Apparaissent également au générique Emmanuelle Devos en directrice excentrique, Irène Jacob en femme de la bourgeoisie ou encore un clin d'oeil à Marjane Satrapi autre figure de la bande dessinée .

On ne s'ennuie donc pas une seconde et on appréciera en plus le mauvais goût de certaines scènes humoristiques du film la référence au petit Grégory entre autres ou encore le suicide d'un des professeurs . La crudité d'un humour souvent assez noir vaut le déplacement dans un cinéma français souvent enclin à stéréotyper les ados dans un monde rose bonbon en décalage total avec la réalité, leur univers et leurs préoccupations que le réalisateur aborde frontalement et sans pincettes. Riad Sattouf en parlant de l'adolescence prend le parti d'en rire ce qui est sûrement le meilleur moyen de retranscrire avec justesse cette période de notre vie . Allez voir sans hésiter les beaux gosses qui se déroulent en plus dans notre ville à Rennes.

Les Beaux gosses - Bande Annonce du Film -

Lola Montes de Max Ophüls au TNB

2009-06-08T21:48:00.002+02:00

Qu'y a-t-il de pire pour un cinéaste, auteur reconnu de surcroît, que de voir son oeuvre mutilée et déformée ? C'est ce qui est arrivé au grand Max Ophuls pour Lola Montès. Aujourd'hui, par le miracle des progrès numériques, le film ressort dans la version voulue par le réalisateur.

Le film sort en 1955, la vie d'une courtisane célèbre, adaptée d'après le roman de Cécil Saint Laurent (auteur de Caroline chérie) avec pour tête d'affiche, la plus grande star française de l'époque, Martine Carol. Hélas, le public n'est pas au rendez-vous. Aussi les producteurs décident de remonter entièrement le film dans un ordre chronologique, d'enlever les couleurs vives, les effets sonores, dénaturants complètement l'oeuvre d'origine. Pourtant le jeu sur ce format cinémascope, le son stéréophonique - la façon dont Ophüls en tirait partie - formaient la colonne vertébrale du film. Les modifier revenait à l'annuler. Truffaut, notamment, proteste. La version originale est encensée par Les Cahiers du cinéma -Godard, Rivette- mais aussi Jacques Tati ou Roberto Rossellini.

Cette "nouvelle" version, qui afflige le réalisateur, n'en sera pas moins un désastre.

En 1966, la société Les Films du Jeudi du producteur Pierre Braunberger racheta les droits d'exploitation du film. Sous l'égide de la Cinémathèque Française et avec l'aide du mécénat, une restauration exceptionnelle a été menée : la variété des palettes de couleurs, l'ampleur du son, la langue originale des dialogues, ainsi que le montage de l'auteur et le format du film ont été rendus à leur exactitude. Cette version a été autorisée par le propre fils du réalisateur, Marcel Ophüls.

Miraculeusement, le film initial réapparaît sous nos yeux. Étrange ironie du destin, les films les plus décriés passent sans transition dans l'approbation générale et la reconnaissance en tant que chef-d'oeuvre.

L'histoire retrace donc la vie d'une célèbre courtisane, incarnée par une Martine Carole au destin non moins tragique, qui, après avoir été une danseuse sans talent, maîtresse d'innombrables et illustres amants -dont le roi de Bavière- finit par devenir littéralement une phénomène de cirque : elle raconte sa vie sous un chapiteau à un public médusé. De spectaculaires tableaux vivants retracent les principaux épisodes de sa vie hors du commun.

Dans le film, que de flash-back initiés par ces tableaux! Mais les tours de force se trouvent justement là, dans les scènes du cirque, spectaculaires, incroyables, colorées, virtuoses, chorégraphiques, un peu cauchemardesques aussi : on ne sait ce qui défilent sous nos yeux : des géants, des nains, des animaux eux aussi de toutes tailles, des acrobates, des paillettes, des costumes chamarrés... Lola met sa vie en péril : à la fin de son "numéro" elle doit se mettre en péril devant le public en effectuant "un saut de la mort" sans filet, or son coeur de grande fumeuse de cigare vacille pour le moins, et elle ne tient guère sur ses jambes, y survivera-t-elle ?

Les scènes de cirque constituent tout l'attrait du film: on n'a jamais vu ça. On comprend, en les voyant, combien Jacques Tati ou plus récemment Baz Lurman (Moulin Rouge) ont pu s'en inspirer. Ophüls est le maître du chaos ordonné, de l'espace, du ballet, du mouvement, de la chorégraphie -tant celle des acteurs ou des figurants que celle de la caméra, des décors somptueux et luxuriants.

Les "admirateurs" de Martine Carole, amateurs de Caroline Chérie, ont du être déçus : pas de blondeur, pas d'esprit gaillard, pas de sein coquin dévoilé. Empérruquée de noir ivoire, bouche carmin -une sorte de Dita Von Teese- Carol est l'interprète idéale en ceci que la tragédie de son destin s'accorde parfaitement à celle de l'héroïne qu'elle incarne. On a dit qu'elle n'était pas une bonne actrice, on continue de le dire : on a tort. Si elle a certes été imposée par la production -à la place de Danièle Darrieux - Ophüls a su en tirer le meilleur et sa grâce maladroite, sa maturité -elle est femme et plus jeune fille-, la fragilité de son statut -encensée puis déchue- sont celles de Lola. Un an plus tard, cette actrice légère à la vie tragique -eh non Romy Schneider n'a pas le monopole du Destin Tragique- sera détrônée par une certaine Bardot. Lola Montès, émerveillement des yeux et serrement triste du coeur, porte le deuil : Ophuls décédera deux ans plus tard, sans avoir pu voir son film réhabilité, et Carol -souvenez-vous, la Monroe française !- à peine douze ans plus tard de manière tragique. Revoir Lola Montès les faire vivre encore.

Antichrist ***

2009-06-05T00:37:00.006+02:00

Soufre. Satan.
Nous parlons quand même de Von Trier, longtemps adulé tant que les récompenses ne suivaient pas, tant qu'il était dans l'ombre, et qui une fois parvenu, a commencé à faire naître des polémiques, a s'attirer les foudres de ceux là même qui l'ignoraient, ne le connaissaient pas.
Disons-le tout net, Antichrist n'est pas son meilleur film.
L'indignation est générale, et cette indignation, est par contre, très indignante.
Provocation, masochisme, acharnement, misogynie, scandale !
Certes, ces thèses peuvent être entendues, et peut être même qu'elles sont vraies. Oui mais ! Oui mais, nous parlons d'un réalisateur qui s'est toujours mis en marge, et qui a ouvert des voies à d'autres, même si le Dogme peut paraître austère, il fut une attaque virulente et sensée de l'hollywoodisation; et c'est tout à son honneur que de se renier aujourd'hui et de revenir à une forme et à un fond très proches de ses inspirations premières, qu'elles soient celles des fantômes de l'hôpital, série tv devenue culte sans pour autant être géniale, celles de l'excellent et impeccable Element of crime, mais aussi celles de ses inspirations fondamentales: Bergman en premier; en regardant Antichrist on crève de revoir Sarabande, l'analogie nous saute aux yeux, Tarkovski en second auquel il dédicace ce film, effet Miroir ? (on est proche en effet du Miroir de Tarkovski, plus que de Solaris, quoi que ...), les dramaturges nordiques en troisième (Ibsen, Stringberg).
Parcourons tous les points positifs de cet essai; tout d'abord louons l'essai, à la manière d'un Polanski, Von Trier souhaite nous faire peur et nous questionner; poursuivons par conseiller un montage du film qui lui donnerait une couleur toute différente; regroupons le prologue et l'épilogue, et reconnaissons que ces deux scènes sont parmi les plus belles qu'ils soient. Continuons, admettons que l'effroi, s'il est maintenu par des recettes écumées de film d'horreur (des musiques stridentes, angoissantes), prend par moment. Soulignons la richesse des lectures possibles de ce film, la richesse des thèmes évoquées, en tête la Nature, la forêt, la mythologie et la théologie (quoi que cela puisse faire bondir), la mystique, la psychologie [quoi que thérapeutique], en second le lien avec Von Trier lui même et donc la mise en abîme, le côté conte de Grimm interdit aux enfants; l'extrême beauté, magnifique choix esthétique que cet opéra d'Haendel, et enfin le côté intriguant, fascinant.
Mais n'oublions cependant pas de souligner les critiques valables, celles qui refusent l'intérêt de l'entreprise pornographique, salace, ou violente, celles qui visent le côté brouillon, inabouti, celles qui visent le côté répétitif de la thérapeutie, voire même son aspect ridicule, celles qui dénoncent le ridicule aussi des thèses sataniques, celles qui dénoncent le côté abscons mais aussi facile, celles qui dénoncent jusqu'au titre même et l'attaque en règle contre la religion et laissons ouverts les débats sur la misogynie et la morale sans nous positionner avec certitude.

Ce film reste en mémoire, et pourtant, il ne peut pas être qualifié de pièce d'exception, tant l'impression qui reste est mitigée.

A voir pour les seuls cinéphiles qui s'intéressent à Bergman, à Tarkovski, pour tous les fans de Von Trier et plus exactement pour les nostalgiques d'Element of Crime, pour les personnes très averties.
A ne surtout pas voir pour tous les autres, cinéphiles ou non, cela leur serait pleinement inutile et traumatisant.

Antichrist Bande annonce

Departure *, oui mais ...

2009-06-04T23:59:00.006+02:00

Oscar du meilleur film étranger. Récompense qui en général va à un film consensuel, qui allie succès populaire et qualité de bonne facture. Departure répond parfaitement à ces deux critères, et l'Oscar est donc mérité.
Ce film est grand public; et verse dans l'universalité, dit ici de manière plutôt péjorative, mais ce n'est pourtant pas une critique si négative; on mentirait si l'on ne reconnaît pas être touché par instants, par ce sujet tout à la fois fort et facile. Nous nous plaisons dans un premier temps, à découvrir un récit bien construit, avec un portrait qui se dessine à nous d'un jeune homme dont on pressent qu'il est sensible et sympathique, on découvre un second personnage tout en dignité, dans l'exercice de ses fonctions, on apprécie encore la simplicité de la forme, le temps pris pour nous conter des petites choses, une minutie; on pense que le personnage féminin fait contre-poids, et sa bonne humeur nous est communicative; mais ici c'est une fausse piste, ce personnage sera finalement bâclé et fade; on se prend à croire à un deuxième cocktail jubilatoire, alliant émotion et sensibilité, critique de la société japonaise, des non-dits éducatifs; vous reconnaitrez la surprise incontestable de ce début d'année, Tokyo Sonata.
Malheureusement, l'enthousiasme est ici moindre, certes c'est un film plutôt bon dans l'ensemble; mais il pêche parfois. Le principal reproche est peut être l'égarement, à trop vouloir multiplier les intrigues, d'ailleurs la première et principale fonctionne globalement, on en vient à deviner les évènements, rebondissements, et le film perd en profondeur de description, il parait parfois superficiel. Tel un symbôle, la fin est ratée, ou plus exactement la toute fin, car nous avons une première fin qui se rappelle à l'introduction du film, mais trop prévisible elle nous aurait plutôt décu, la seconde suit et nous surprend de poésie, l'image aurait été belle, las, une troisième fin vient tout gâcher, l'ultime intrigue final fait fausse note dans la partition, et l'on vient à se dire que le rapport à la musique dans ce film est elle aussi une fausse note, l'intention est bonne, le résultat plus amateur ... Une maîtrise inégale en somme, trop cousue de fil blanc; cela restera un bon film, mais on passe à côté de mieux.

Departures - Bande annonce Vost FR

Prix d'interprétation féminine...

2009-05-27T17:54:00.002+02:00

Charlotte Gainsbourg pour Antichrist de Lars Von Trier.

And the winner is...

2009-05-27T17:47:00.003+02:00

Le ruban blanc de Michael Haneke !

Sophie et Monica : elles ont illuminé le festival...

2009-05-27T17:35:00.001+02:00

Tapis rouge

2009-05-27T17:33:00.002+02:00

Roschdy Zem

Aishwara Raï

Saïd Taghmaoui

Shu Qi

Rachel Weiz

Leïla Bekhti

Charlotte Gainsbourg

Charles Aznavour

Hafsia Herzi

Roschdy Zem

Saïd Taghmaoui

Virginie Ledoyen

Etreintes Brisées **

2009-05-24T14:53:00.005+02:00

Dans Etreintes Briséees, Almodovar met en scène un ancien réalisateur aveugle devenu écrivain interprété par luis homar (le père manolo de la mauvaise éducation) , qui a vécu douze ans auparavant une histoire d'amour avec une actrice interprétée par penelope cruz lors du tournage de son film "filles et valises ". D'autres personnages viennent nourrir l'histoire : un vieil homme riche et possessif et son fils maniaque de la vidéo , une directrice de production amie du réalisateur et son fils confident . Al'aide de flash back, Almodovar nous raconte une passion entre deux amants et ses répercussions sur leur entourage .Pour cela , il explore les genres propres au cinéma hollywoodien des années cinquante: le mélodrame , le film noir ...A travers le portrait qu'il brosse tel un peintre des sentiments de penelope cruz , il ressucite les fantomes d'Audrey Heypburn ou encore de marilyn Monroe...comme une réminiscence du cinéma qui l'a nourri.Etreintes Brisées est une déclaration d'amour au cinéma par un des réalisateurs les plus cinéphiles . Almodovar nous convie à plusieurs lectures du film, plusieurs temporalités, plusieurs espaces : un film dans le film . On retrouve la pate du réalisateur adepte des couleurs flamboyantes ce qui est paradoxal pour un film à l'univers sombre. Une esthétique parfois wharolienne. Comme dans la mauvaise éducation , on sent une intériorité qui rend le film moins boulversant que Tout sur ma mere ou Parle avec elle . On peut reconnaitre la vitalité propre aux personnages d'Almodovar, ici on retrouve une présence très forte de la mort chez le couple d'amants lena et matteo . Malgré l'ombre qui plane sur les deux amants , la sensualité n'est pas pour autant absente des plans . Penelope Cruz l 'incarne bien . Elle apporte en plus dans ce film un jeu tout en nuances et distille un trouble chez le spectateur , trouble des sentiments .

Ce film fait figure de classique à l'instar d'autres grands films sur le cinéma comme les ensorcelés de Minnelli ou encore à un moindre degré la nuit américaine de Truffaut.Dans le cinéma d'Almodovar et particulièrement ici rien ne semble offert eu spectateur par hasard . Tout a une source cinéphile . Et Almodovar n'hésite pas à montrer ses sources comme un extrait à la télévision de voyage en italie de Rossellini . Il n'hésite pas non plus à déclarer son amour pour la voix de Jeanne Moreau ou encore à afficher dans la loge de l'actrice penelope une photo de Romy Schneider dans l'important c'est d'aimer de zulawski. Un amour des actrices qu'on retrouve au fil de ses films. Malgré toutes ces références , ces clins d'oeils , Almodovar reste unique dans l'art d'inventer des histoires , d'explorer les sentiments , le désir .On peut dire cependant que son cinéma parait plus léché, plus grave et moins insouciant que ces premiers films .

Pronostic Cannes 2009

2009-05-17T15:41:00.006+02:00

Le jeu est difficile quand on ne fait parti des chanceux qui peuvent découvrir les films in situ, il ne se base que sur une sorte d'a priori, basé sur des références passées, mélangé à du militantisme, mais aussi à de la pseudo analyse chanceuse. Le risque du hasard peut être vice si nous pouvons y perdre notre argent, tête ou crédibilité, ici, gageons que vous apprécierez simplement l'aspect ludique pur (à vos commentaires d'ailleurs, participez vous aussi à ce jeu !)

Alors pour la Palme, en m'astreignant à ne citer que 3 noms, je pressens, dans l'ordre suivant:
1/ Lars Von Trier
2/ Marco Bellochio
3/ Elia Suleiman

bon, j'avoue ne pas être amateur de Gaspard Noé, considérer Gianolli trop inégal, Audiard trop classique, et, malgré tout son talent passé, et sa qualité de Maitre, Resnais trop éloigné de ses éclairs premiers, et donc suis un peu gêné de ne pas cocoriser mon pronostic.

The Visitor **** Coup de coeur du TNB et de Près de chez vous cinéma

2009-05-17T15:19:00.012+02:00

Nous avions manqué ce film à la critique toute aussi élogieuse que son titre est sobre et peu attirant: "The Visitor". Erreur, qu'il nous a été donnée de gommer. Chance qui vous est offerte pour la modique somme de 4 euros, à affranchir la semaine prochaine encore, au TNB, dont nous regrettons au passage la disparition des cycles spéciaux consacrés à des thématiques, ou à des réalisateurs. - soit dit en passant = voeu pieux ? -

Nul visiteur du mercredi, aucun Clavier ni Reno, place en fait à un excellentissime Richard Jenkins, et à une toute aussi sobre et décidément dans pas mal de bons coups Hiam Abbass.

Difficile d'écrire sur ce film, tout d'abord parce qu'il est plutôt intime et que le mystère parfois mérite d'être préservé, mais aussi car nos critiques se doivent de respecter la ligne directrice de Tom Mac Carthy, le jeune réalisteur - acteur par ailleurs - : l'épure, la sobriété, et surtout la justesse.
Ce film figure assurément dans la liste pas si importante des très bons films, des oeuvres, mais si ici, contrairement à Tokyo Sonata, nous ne pouvons parlé de chef d'oeuvre, car il manque peut être une grandiloquence, un je ne sais quoi de nouveauté, de folie ou de créativité, nous devons assurément affubler ce film d'Oeuvre, avec un accessit plus que favorable, en tout cas, nous mettons de la ferveur et de l'enthousiasme pour clâmer que le déplacement s'impose.

Sans rien dévoiler donc du mystère, le synopsis étant très trompeur d'ailleurs, sachez simplement que l'Oeuvre en question possède une flamme utopiste, universaliste, est centrée sur la rencontre, et non le choc, des contraires, sur l'ouverture et la tolérance, met au centre de tout l'humanité au sens humanisme plus qu'à celui de Dumont - très bon aussi soit dit en passant toujours -, le tout dans une subtilité de récit et d'interprétation (oh oui Jenkins ne nous était pas apparu si doué dans les seconds rôles des frères Coen ou Farelli par exemple); avec une justesse de ton tout simplement rare, une temporalité parfaitement maîtrisée, un New York filmé subjectivement, une place importante à la réflexion.

Une histoire d'amitié impossible qui se double d'une histoire d'amour qui l'est tout autant, qui nous parviennent justes, nous ne devons pas tarir d'éloges, comme nous apprécions l'effet estomaquant, (voire bouleversant) de l'extériorisation soudaine d'un gentleman rentré, contenu; sans qu'à aucun moment le ton n'emprunte à la revendication, au militantisme; une caméra et un propos discrets, sobres, humbles, immensément justes, juste ici, justement, l'universalité est aussi le thème, nous causons de cela; de justice.

Oui, le TNB ne s'y trompe pas, les jurés du festival de Deauville ne s'y sont pas trompés non plus, nous partageons allègrement ce coup de coeur.

The Visitor

Bonus ne te retourne pas

2009-05-17T15:02:00.002+02:00

Quand Sophie Marceau était plus ronde et plus brune et Belluci plus jeune, la ressemblance entre les deux actrices était troublante.

Cette "une" de Match donne bien évidemment envie de voir le film, et aussi, forcément, d'acheter le magazine !

Les deux actrices porteront la même robe pour la montée des marches, demain...

Hors compétion

2009-05-17T15:01:00.001+02:00

Hors compétition, et déjà précédé d'une réputation exécrable, un film que nous rêvons pourtant de voir : Ne te retourne pas de Marina De Van -l'excellente actrice et scénariste de Sitcom d'Ozon et réalisatrice de l'extrême Dans ma peau. Une bonne réalisatrice et scénariste, deux actrices sublimes enfin réunies -rare de voir deux comédiennes de cet acabit se partager l'écran- : Sophie Marceau et Monica Belluci ! L'histoire est à la hauteur.
Jeanne, plongée dans l'écriture d'un premier roman, constate des changements mystérieux autour d'elle et voit son corps se transformer... Son entourage ne semble pas s'en apercevoir.Troublée, elle découvre chez sa mère une photographie qui la met sur la trace d'une femme, en Italie. Jeanne, désormais transformée, y trouvera la clef d'un étrange passé...

Il semblerait que ce soit principalement les effets spéciaux mêlant les traits de Monica et de Sophie qui provoqueraient les sarcasmes des spectateurs. Du reste, et contre toute attente le mélange de ces deux beautés poutant fort similaire donnerait un résultat hideux.

Plus sérieusement, Marina de Van continue, par ce film d'explorer le corps et le caractère étrange/étranger qu'il peut revêtir. C'est un trait qui fait partie de sa vie, puisqu'elle eut un accident de voiture à l'âge de huit ans, accident qui provoqua un corps avant et après qu'elle ne considérait plus comme le même et qu'elle n'avait plus le sentiment de maîtriser/habiter.

On a donc le désir absolu de voir ce film, en dépit des lazzis. Après tout, La frontière de l'aube de Garrel, beau film, avait aussi provoqué les hilarités de certains...

Plus accessoirement, mais quand même, le casting promet une magnifique montée des marches.

Les films à suivre ... par Emilie

2009-05-17T14:47:00.004+02:00

Cette année, place aux plasticiens... image travaillée et parlante, auteurs reconnus et controversés.

Nous avons très envie de découvrir Soudain, le vide du provocateur Gaspard Noé.

L'histoire : À Tokyo, Oscar et sa soeur Linda vivent d'expédients : elle est stripteaseuse dans une boîte de nuit et, lui, deale. Mais à la suite d'une descente de police, Oscar prend une balle. Fidèle à sa promesse de ne pas abandonner sa soeur, son esprit se détache de son corps, se met à errer et connaît des visions hallucinatoires qui virent au cauchemar.

Le véritable retour de l'ex palmé Quintin Tarentino avec Inglorious Basterds -ces derniers temps, il ne s'était pas trop foulé. Un casting internationnal et très français avec, notamment, Mélanie Laurent, Brad Pitt, Diane Kruger, Maggie Cheug, Léa Seydoux...

L'histoire de deux vengeances qui se rejoignent : celle d'un groupe de soldats juifs américains contre d'anciens nazis et celle d'une jeune française dont les parents ont été assassinés.

Antichrist de Lars Von Trier avec Charlotte Gainsbourg et William Defoe. L'histoire d'un psy qui emmène sa femme à Eden, dans leur chalet, pour la confronter à son pire souvenir : la mort accidentelle de leur fils. Des événements surnaturels vont survenir, en rapport avec la thèse écrite par la jeune femme, sur le thème des sorcières persécutées au Moyen-Age.

Le film propose une vision très sombre de l'humanité, partant de l'hypothèse selon laquelle la Terre est l'oeuvre du Mal plutôt que celle du Bien.

Dans sa forme il s'annonce comme la somme de toutes les expérimentations esthétiques du réalisateur (on l'annonce comme l'un des plus beaux qu'il ait jamais tourné).

Auteur de deux longs métrages -et désormais trois !- le palestinien Elia Suleiman est considéré comme l'un des plus grand cinéastes du monde. Il nous avait effectivement grandement impressionné avec Intervention Divine. Avec Le temps qu'il reste (à ne pas confondre avec Le temps qui reste, d'Ozon) il nous revient avec une histoire toujours autobiographique, mais encore plus ambitieuse, puisqu'elle recouvre l'Histoire.
De la création de l'Etat d'Israël en 1948 à nos jours, au travers de l'histoire de Fuad, un homme membre de la résistance palestinienne, se dessine la quête d'identité de son fils. La réalité de ce bouleversement politique amène Elia Suleiman, acteur dans son propre film, à se poser une question : est-ce lui qui porte la Palestine là où il va, ou bien la Palestine qui s'étend au reste du monde ?

Le Ruban blanc de Michael Haneke, maître du malaise à l'écran et dans la salle, nous montre un village au nord de l'Allemagne, la veille de la 1ère guerre mondiale où se passent de drôles d'incidents liés à une chorale d'enfants.

Il n'est pas un film d'Haneke qui n'ait été présenté à Cannes. Cette fois-ci, il tourne en noir et blanc. Se pourrait-il qu'il obtienne la palme ?

Il ne faudra pas attendre bien longtemps -une semaine- pour découvrir Etreintes brisées, le nouveau film de Pedro Almodovar, dont la bande-annonce est déjà diffusée en salle. Le cinéaste reprend à bon escient sa nouvelle muse, Penelope Cruz pour cette histoire d'un réalisateur qui perd la vue en perdant la femme de sa vie.

Un prophète de Jacques Audiard. Ici, encore un grand cinéaste de la forme, de la couleur, du plan. Ce film, avec Niels Arestrup et le débutant Tahar Rahim, est entouré de mystère.
Condamné à six ans de prison, Malik El Djebena, ne sait ni lire, ni écrire. À son arrivée en Centrale, seul au monde, il paraît plus jeune, plus fragile que les autres détenus. Il a 19 ans. D'emblée, il tombe sous la coupe d'un groupe de prisonniers corses qui fait régner sa loi dans la prison. Le jeune homme apprend vite. Au fil des " missions ", il s'endurcit et gagne la confiance des Corses. Mais, très vite, Malik utilise toute son intelligence pour développer discrètement son propre réseau...

Nous espérons que le film est à la hauteur de sa très belle affiche.

Plus anecdotique et autant accessible qu'Etreintes Brisées, Looking for Eric, le dernier Ken Loach, s'oriente vers l'humour, avec l'histoire d'un dépressif britannique qui se met à parler avec une projection d'Eric Cantona, son idole. Un film qui parlera certainement aux frediens. A signaler que Ken Loach est un grand habitué de Cannes. Cependant, s'il obtenait la Palme pour ce film nous en serions stupéfaits. Mais cela fait plaisir de voir le souvent trop gris Loach partir vers l'humour.

Le jury de Cannes

2009-05-17T14:45:00.001+02:00

Un très beau jury, présidé par la rigoureuse Isabelle Huppert que nous avions rencontré pour Villa Amalia. Nous apprécions tout particulièrement la présence d'Asia Argento, de la sublime Shu Qi (héroïne de Millénium Mambo) et de James Gray.

Cannes 2009 c'est parti !

2009-05-17T14:44:00.000+02:00

C'EST PARTI !

La journée de la jupe ***

2009-05-08T15:03:00.001+02:00

Encore quelques heures -quelques jours ?- pour voir La journée de la jupe de Jean-Paul Lilienfeld. Le film, à l'instar de La belle personne de Christophe Honoré, n'est sorti que dans un nombre de salles restreint pour avoir été diffusé, la veille de la sortie, sur Arte.

On n'attendait pas du tout Lilienfeld, qu'on connaissait pour le potache mais culte Quatre garçon plein d'avenir, s'attaquer au sujet de l'intégration par le biais du scolaire, avec pour atout scintillant, la reine Isabelle Adjani. Celle-ci s'est faite on ne peut plus rare aux écrans, au détriment de ses fans mais aussi de tout le cinéma. Sa dernière prestation cinématographique remonte à Bon voyage, de Jean-Paul Rappeneau (2003) si on ne compte son apparition dans Monsieur Ibrahim et les fleurs du Coran (idem, 2003) et le moyen Figaro, téléfilm de Francis Veber.

Ici, cette grande actrice surprend. Point d'amour impossible, point de "Mais c'est toooooooiii mon père !", de hurlements sous les fenêtres d'un homme indigne, point non plus de minauderies d'une beauté à couper le souffle sur lequel le temps n'a aucune prise. Elle est Sonia Bergerac, professeur de français en zone difficile, à qui rien n'est épargné et qui n'épargnera rien à ses élèves qu'elle prend en otage. Cette fois-ci on oublie le mythe pour croire réellement à l'existence de cette femme dans ce film haletant qui prend à contre-pied Entre les murs et sa bienveillance Bobo. Adjani a plaisir à jouer et ne recule elle non plus devant rien, surtout pas la peur du ridicule, et ça marche. On reconnaît Lilienfield dans l'humour noir souvent trash des répliques. Les autres acteurs, chevronnés ou non, sont très bons mais n'en déplaise à ceux-ci ou aux débutants qui jouent les élèves de la classe, Sonia/Adjani capte toute notre attention et tient l'édifice.

Courez voir ce film dont le total impact se savoure surtout sur grand écran. Et, si voue ne pouvez pas, rendez vous sur le site de la chaîne Arte.

Good morning England ...quand la musique est bonne

2009-05-08T14:48:00.009+02:00

Good morning england est la nouvelle comédie anglaise de richard Curtis. Nous sommes en 1966 en Angleterre et c'est l'époque de la déferlante de groupes rocks aussi novateurs les uns que les autres. Des radio pirates émettent depuis des bateaux aux larges des cotes anglaises , c'est le cas de radio rock qui s'évertuent à faire bouger l'Angleterre aux sons des Beatles, Rolling stones autres beach boys et j'en passe. Nous naviguons alors plus de deux heures avec une bande de joyeux drilles, des dj's réunis pour partager leur passion pour le rock quoi qu'il en coûte. Car le gouvernement anglais veut faire taire les radios pirates qui débauchent la jeunesse anglaise.

Dans cette aventure autant musicale qu'humaine on retrouve une des pierres angulaires de la radio incarnée par philip Seymour Hoffman. Tous les dj's transmettent une joie de vivre communicative et beaucoup de ce charme nostalgique pour l'age d'or musical des sixties. Rétro à souhait, après avoir vu le film on a envie de réécouter ces vieux vinyls, de pousser les meubles et de monter le son. On peut rappeler que le réalisateur Richard Curtis est un féru de musique et que dans ces précédents films comme love actually par exemple la musique avait déja un caractère fédérateur. A noter également qu'il a signé le scénario de quatre mariages et un enterrement. Le monsieur a donc déja fait ses armes dans la comédie. On retrouve également Emma Thompson dans un petit rôle très réussi. Comme nous sommes dans les années 60, il y est aussi question de liberté sexuelle sans didactisme. C'est plutot sexe , droles et rock and roll meme si la question des drogues est abordée. Bref on ne s'ennuie vraiment pas et on aurait envie de reprendre en choeur, un des titres des beach boys qui clôt le film, wouldn't it be nice to be together...

Good Morning England - Bande annonce Vost FR

Good morning England... quand la musique est bonne ...

A bout de course: A découvrir

2009-05-02T14:10:00.005+02:00

Avec la réédition d' "A bout de course" de Sidney Lumet, voilà l'occasion de parler d'un grand film américain méconnu. Ce film étant sorti dans seulement quatre salles en France, je me suis empressé d'aller le voir et de vous le faire découvrir. A bout de course raconte l'histoire de Danny un jeune homme de 17 ans fils d'anciens militants contre la guerre du vietnam qui organisèrent un attentat contre une usine de napalm en 1971. Désormais en cavale, la famille Pope change régulièrement d'adresse et d'identité pour tromper le F.B.I. Le réalisateur se penche plus particulièrement sur l'ainé des deux enfants Danny dans sa quete d'identité lui qui doit ne pas révéler qui il est vraiment. Le film dessine un beau portrait de l'adolescence. Sa découverte du piano et la rencontre amoureuse d'une jeune fille réveleront Danny à lui meme. Sidney Lumet filme les bouleversements dans la vie du jeune homme jusqu'alors plutot secrète.

On est dés le début du film et jusqu'à la fin happé par le destin de ce jeune homme. Etant donné le passé militant des parents on aurait pu s'attendre à un ton plus politique, plus social de la part du réalisateur. On peut rappeler que Lumet a également révéle Al Pacino au cinéma dans "un après midi de chien" ou encore "Serpico". Ce film là est plus intimiste et se concentre sur les relations humaines : les rapports amoureux adolescents , les liens qui unissent une famille. Dans la réussite du film la mise en scène simple et fluide y est pour beaucoup, les acteurs sont tous justes.

Ce film marque la confirmation du talent de River Phoenix qui interprète Danny. Comparé à un James Dean des années 80, l'acteur disparaitra d'une overdose à seulement 23 ans . On a pu le voir dans "My own private idaho" de Gus Van Sant au côté de K. Reaves. River Phoenix n'est plus mais le film est bien là, précipitez vous si vous avez l'occasion de le voir car rares sont les films d'une telle justesse aujourd'hui.

Cannes 2009: Le jury

2009-05-02T11:53:00.002+02:00

Isabelle HUPPERT, Présidente (Actrice - France)
Asia ARGENTO (Actrice, Réalisatrice, Scénariste - Italie)
Nuri BILGE CEYLAN (Réalisateur, Scénariste, Acteur - Turquie)
Lee CHANG-DONG (Réalisateur, Ecrivain, Scénariste - Corée du Sud)
James GRAY (Réalisateur, Scénariste - Etats-Unis)
Hanif KUREISHI (Ecrivain, Scénariste - Royaume Uni)
Shu QI (Actrice - Taiwan)
Robin WRIGHT PENN (Actrice - Etats-Unis)

Romaine par moins 30, ** au pays du quebec

2009-05-02T11:46:00.012+02:00

Pour qui a déjà voyagé au Quebec, l'accent, l'humour venu du froid, la chaleur humaine, et la libération sexuelle sont très souvent rangés au chapitre impressions. Agnès Obadia, française, inventrice du personnage de Romaine, qu'elle campait avec toute la non-chalance nécessaire à l'interprétation de ce personnage féminin sorti un peu d'ailleurs, d'aucuns diront lunaire, un peu à côté de ses pompes, larges, sujette aux évènements sans maîtrise, Agnès Obadia donc nous restitue ces impressions en laissant place à l'excellente ici Kimberlain, revenue de son expérience musicale, pour partir dans la France des amériques, embarquée par un Pascal Elbé dirigiste, qui veut maîtriser jusqu'au surprise.

La morale et l'effet comique sont tous deux dans ce couple improbable:
Elle se livre aux évènements, s'en sent infantilisée, souhaite s'en libérer, et Madame Chance la rattrape dans ses errements, Madame Chance ou bien soeur impromptue; la providence ne la protège pas forcément; en tout cas, Romaine laisse une grande place au possible.
Il ne supporte pas le moindre imprévu, est persuadé de maîtriser jusqu'à sa perte, sa fuite dans le grand nord, mais aussi sa relation avec Romaine, les surprises et autres cadeaux assurant l'emprise et le contrôle.
Et la morale est qu'à trop vouloir contrôler, la situation dérape, nous échappe, et qu'à se laisser dériver à trop s'échapper, divaguer, les contrôles environnants vous rattrapent et vous séduisent.

Le total contrôle ridiculisé en ses échecs est une source de comique assez inépuisable et il est vrai, rassurante.

L'atmosphère est teintée d'un humour bien québecois, autour de la liberté de soi et de son corps, la distinction nette et claire entre l'affect et la libido.
Romaine paumée, en milieu hostile, choc des contraires; l'humour prend. Si la toute fin du film baisse en qualité, Romaine est néanmoins une comédie sympatoche, plus modeste qu'OSS 117 et toute aussi (je dirai même plus) drôle, ce qui en fait tout son charme, bien loin du très mauvais "du poil sous les roses", où Agnès Obadia s'était perdue en vulgarité, et qui aurait pu nous faire hésiter quand bien même nous avions apprécié à sa juste valeur toute la richesse de l'oeuvre Romaine.
Ajoutons juste l'ambiance Folk de Tom waits à Moriarty en passant par Johnny Cash.
Une bonne note donc !

Bande annonce:

Romaine par moins 30 - Bande-annonce

Telerama nous suit.

Cannes 2009: la programmation

2009-05-02T11:46:00.006+02:00

LA COMPÉTITION :

Film d’Ouverture :

Pete DOCTER - UP (Là-haut) H.C.- 1h44

***

Pedro ALMODÓVAR - LOS ABRAZOS ROTOS (Etreintes brisées) - 2h09
Andrea ARNOLD - FISH TANK - 2h02
Jacques AUDIARD - UN PROPHÈTE - 2h30
Marco BELLOCCHIO - VINCERE - 2h08
Jane CAMPION - BRIGHT STAR - 2h00
Isabel COIXET - MAP OF THE SOUNDS OF TOKYO -1h44
Xavier GIANNOLI - A L’ORIGINE - 2h30
Michael HANEKE - DAS WEISSE BAND (Le Ruban blanc) - 2h24
Ang LEE - TAKING WOODSTOCK -2h00
Ken LOACH - LOOKING FOR ERIC - 1h56
LOU Ye - CHUN FENG CHEN ZUI DE YE WAN (Nuits d'ivresse printanière) - 1h55
Brillante MENDOZA - KINATAY - 1h40
Gaspar NOE - ENTER THE VOID - (Soudain le vide) - 2h30
PARK Chan-Wook - BAK-JWI - (THIRST, ceci est mon sang...) - 2h13
Alain RESNAIS - LES HERBES FOLLES - 1h44
Elia SULEIMAN - THE TIME THAT REMAINS - 1h49
Quentin TARANTINO - INGLOURIOUS BASTERDS - 2h40
Johnnie TO - VENGEANCE - 1h48
TSAI Ming-liang - VISAGE - 2h18
Lars VON TRIER - ANTICHRIST - 1h44

***

Film de Clôture :

Jan KOUNEN - COCO CHANEL & IGOR STRAVINSKY - H.C. - 2h00

UN CERTAIN REGARD

BONG Joon Ho - MOTHER - 2h10
Alain CAVALIER - IRENE -1h23
Lee DANIELS - PRECIOUS - 1h49
Denis DERCOURT - DEMAIN DES L'AUBE - 1h36
Heitor DHALIA - À DERIVA - 1h43
Bahman GHOBADI - KASI AZ GORBEHAYE IRANI KHABAR NADAREH (On ne sait rien des chats persans) - 1h06
Ciro GUERRA - LOS VIAJES DEL VIENTO (Les Voyages Du Vent) - 1h57
Mia HANSEN-LOVE - LE PÈRE DE MES ENFANTS - 2h00
Hanno HÖFER, Razvan MARCULESCU, Cristian MUNGIU, Constantin POPESCU, Ioana URICARU:AMINTIRI DIN EPOCA DE AUR - 2h18
Nikolay KHOMERIKI - SKAZKA PRO TEMNOTU (Conte de l'obscurité)- 1h12
HIrokazu KORE-EDA - KUKI NINGYO - 2h05
Yorgos LANTHIMOS - KYNODONTAS (Dogtooth) - 1h34
Pavel LOUNGUINE - TZAR (Le Tsar) - 1h56
Raya MARTIN - INDEPENDENCIA - (Independence) - 1h17
Corneliu PORUMBOIU - POLITIST, ADJECTIV (Policier, Adjectif) - 1h55
Pen-Ek RATANARUANG - NANG MAI - 1h49
João Pedro RODRIGUES - MORRER COMO UM HOMEM (Mourir Comme Un Homme) - 2h13
Haim TABAKMAN - EYES WIDE OPEN - 1er film -1h31
Warwick THORNTON - SAMSON AND DELILAH - 1er film - 1h41
Jean VAN DE VELDE - THE SILENT ARMY - 1h32

HORS COMPETITION:

Alejandro AMENABAR - AGORA - 2h21
Terry GILLIAM - THE IMAGINARIUM OF DOCTOR PARNASSUS - (L'imaginarium du Docteur Parnassus) - 2h02
Robert GUÉDIGUIAN - L'ARMÉE DU CRIME - 2h19

SEANCES DE MINUIT :

Stéphane AUBIER, Vincent PATAR - A TOWN CALLED PANIC (Panique au village) -1er film - 1h16
Sam RAIMI - DRAG ME TO HELL (Jusqu'en enfer) - 1h39
Marina de VAN - NE TE RETOURNE PAS - 1h50 SEANCES SPECIALES : Anne AGHION - MY NEIGHBOR, MY KILLER (Mon voisin, mon tueur) - 1h20
Adolfo ALIX, JR., Raya MARTIN - MANILA -1h30
Souleymane CISSE - MIN YE (Dis moi qui tu es...) - 2h15
Michel GONDRY- L'EPINE DANS LE COEUR - 1h26
Zhao LIANG - PETITION (La Cour des plaignants) - 2h04
Eduardo VALENTE - NO MEU LUGAR - 1er film - 1h53
Keren YEDAYA - JAFFA - 2h25

Hommage à Fanny ArdantFanny ARDANT - CENDRES ET SANG - 1er film - 1h45
Lee Chang-Dong présente

Ounie LECOMTE - UNE VIE TOUTE NEUVE -1er film - 1h32

LES COURTS METRAGES EN COMPETITION

Mark ALBISTON, Louis SUTHERLAND - THE SIX DOLLAR FIFTY MAN -15’ Nouvelle-ZélandeDaniel BORGMAN - LARSOG PETER-15’ DanemarkAlex BRENDEMÜHL - RUMBO A PEOR-12’ EspagneJochem DE VRIES - MISSEN-12’ Pays-BasJean-Christophe LIE - L'HOMME A LA GORDINI-10’ FranceGoran ODVORCIC - CIAO MAMA-10’ CroatieLaila PAKALNINA - KLUSUMS-14’ LettonieJoão SALAVIZA - ARENA-15’ PortugalEmma SULLIVAN - AFTER TOMORROW-15’ Royaume-Uni

OSS 117

2009-05-02T11:31:00.004+02:00

OSS 117, double 1 7, Boeing 447 pour Rio, le nouvel homme cette fois est l'espion qui venait du froid, DuJardin, façon bebel, mais pas encore aussi magnifique. Mix entre l'homme de Rio et Rio ne répond plus, le pastiche de James Bond français vaut mieux tout de même que tous les Austin powers réuni. On lorgne sur y'a t-il un Dujardin pour sauver Rio, dans l'ensemble on rit, parfois on note la veulerie. Le super-héros pas super, le soin mis à la reproduction de l'ambiance, la qualité du pastiche, tout ceci fonctionne correctement. Pour une fois, le pop corn peut être de sortie, le film est principalement populaire, et a ce mérite, les grands Bebel (sans son chien) l'étaient. La comparaison ne va peut être pas plus loin. Un moment sympathique et finalement pas si criticable.

Coco avant Chanel d'Anne Fontaine

2009-04-25T02:42:00.002+02:00

Il y a moins d'un an sortait La fille de Monaco -une manière, pour Anne Fontaine, de se faire la main avant d'attaquer un projet qui lui tenait à coeur, l'adaptation de L'irrégulière, d'Edmonde Charles Roux, retraçant le passé peu connu de Gabrielle Chanel.

Peu connu et pour cause : celle que l'on appelait Mademoiselle était avare de confidences et aimait à brouiller les pistes. Orpheline -mère morte et père abandonnique-, couseuse de rien du tout, chanteuse dans un "beuglant", presque cocotte, Gabrielle Chanel l'a pourtant été. Et le très chic surnom Coco n'est autre qu'au départ un prénom de chien pour chanson gouailleuse de cabaret.

2009 est décidément une année Chanel : un téléfilm avec Shirley Mac Laine retraçant sa vie sur France 2, le film de Fontaine, mais aussi un autre imminent de Jan Kounen avec Anna Mouglalis.

Dans Coco avant Chanel, Audrey Tautou donne corps de façon plus que crédible à celle que Colette appelait "le petit taureau noir" : recueillie par Balsan (Benoît Poelvorde), un gentleman farmer qui l'a repérée alors qu'elle chantonnait dans son café, elle amuse la galerie de son anti- conformisme déjà prononcé, avant de rencontrer l'homme qui comptera parmi tous : Boy Capel.

Ce dernier la révélera à elle-même, catalyseur du génie stylistique d'une figure capitale du monde moderne -oui.

Interprétation impeccable : Tautou faite pour le rôle, Poelvorde sur la corde du bouffon sensible et qui n'est jamais mieux que dans un film "sérieux", mais aussi Marie Gillain, plantureuse à souhait dans le rôle de la vraie-fausse soeur de Coco, Emmanuelle Devos en courtisane de renom. Quelques touches humoristiques singulières qui nous rappellent qu'on est bien chez Anne Fontaine. Les moyens sont là, peut être trop car la réalisatrice, qui excelle dans l'ambiguïté malaisante (Nettoyage à sec), croule sous une couche de gros moyens et d'un personnage -et quel personnage !- qui fut réellement. Cela se ressent notamment dans la musique par trop hollywoodienne qui accompagne le spectateur par la main. Ce film porte le label qualité et comblera, notamment par sa méticulosité à l'histoire de la femme et de son oeuvre de mode, quiconque s'y intéresse un peu. Les autres seront contentés par l'efficacité formelle de l'objet filmique et l'interprétation attachante -mention vraiment spéciale à Poelvorde. Les fans d'Anne Fontaine et de son style cru, larvé, sortiront en revanche un rien frustrés.

Wendy et Lucy: un désenchantement social

2009-04-11T23:12:00.012+02:00

Wendy et Lucy est le troisième film de la réalisatrice indépendante américaine Kelly Reichardt. Une affiche aux couleurs d'une ballade buccolique pour une histoire qui vire au noir. Wendy est une jeune voyageuse fauchée en partance pour l'Alaska avec pour seul compagnon de route sa chienne Lucy. Elle va tomber en panne dans une bourgade paumée de l'Oregon et les galères vont commencer. Elle se fait arrêter pour vol, va perdre sa chienne ...partir à sa recherche . Spectateurs, nous allons l'accompagner dans ce "road movie arreté", et finalement se prendre d'affection pour ce petit bout de femme déterminée à suivre sa route et ne pas flancher face aux difficultés.

Voilà donc un film sur la précarité aux Etats unis (les principales relations de Wendy sont également dans le dénuement).On peut déceler une des intentions de la réalistrice : faire de ce film un plaidoyer modeste pour la solidarité. Un petit film humaniste sans effet lacrymal , ancré dans une réalité sociale douloureuse . Un film qui sans nous endormir, réveille plutot chez nous une prise de conscience pour les situations de détresses sociales et humaines du quotidien.

Wendy est incarnée par la douce et touchante Michelle Williams qui a débuté dans la série à succès Dawson. On a pu la voir depuis chez Wim Wenders dans "Land of Plenty" ou encore dans "le secret de Brockeback Mountain "d'Ang Lee. Dans ce film elle se révèle trè crédible incarnant avec beaucoup de nuances un personnage laissant entrevoir ce que peuvent être le comportement et les attitudes d'une jeune "travelleuse" américaine d'aujourd'hui. On peut signaler qu'elle apparaitra dans le prochain Scorcese "shutter Island".Un avenir prometteur?

Peut on dire que kelly Reichardt réinvente le road movie? En tout cas elle adapte son sujet aux préoccupations contemporaines de la jeunesse d'aujourd'hui. Ce n'est plus tant la quete de liberté que recherche le personnage comme dans le cultissime "Easy Rider" mais un souci de préservation , une quete de la survie plutôt, un désir d'équilibre social. Il ne semble plus y avoir de place pour rêver dans cette société là. L'american way of life paraît bien loin .

Tout au long du film , Wendy fredonne un air de musique . C'est cette petite musique qui déraille qui nous séduit : Wendy et Lucy ou l'histoire d'un désenchantement social.

A l'aventure ... oui ... sans moi *

2009-04-09T19:01:00.008+02:00

Brisseau est à la base un bon réalisateur, avec des revendications et un discours pédagogique (eh oui, cela peut surprendre, mais le monsieur fut professeur, et quand il parle d'éducation il en parle bien, et il en parle presque tout le temps). "De bruit et de fureur", comme "Noces blanches " sont par exemple assurément des bons films.

Le père Brisseau brille aussi pour ses interrogations religieuses, mystiques. Il brille bien moins ces dernières années, que ce soit à la scène et sa trilogie féminine qui lorgne du côté de la série érotique de M6 (et je ne vous parle pas du série rose de Borowitz), du côté du porno, même; ni queue ni tête pas complètement, avec queue et toujours un peu de tête quand même, ou à la vie, quand ses castings dénudés lui valent peine de prison.

Son nouvel opus se nomme "à l'aventure", et je serai bref, comme il se doit pour un film plus mauvais que bon.

Le bon: une photographie des paysages intéressantes, quelques réflexions intéressantes, la mise en parallèle de la science avec l'ésotérisme, l'interrogation psychanalitique, un sens de l'érotisme et un questionnement de son origine qui peuvent se défendre.

Tout le reste est tout simplement indigent. A commencer par le scénario, et surtout l'ntrigue principale, d'une invraisemblance qui n'a son pareil que dans les mauvaises séries B (Barbarella, Flash Gordon; ... magnifique SF), ou bien, mais c'est là lui faire un peu trop d'honneur, du côté de "l'exorciste".

N'escomptez pas y trouver l'extase, le mysticisme de "Le Moine" de Lewis (référence à Artaud), ou encore la qualité de "La religieuse", vous y trouverez juste un simple prétexte à mettre en scène les fantasmes du gros salopiaud, des veuleries, des personnages fadasses, acteurs et actrices recrutés pour leur propension à se livrer sans dessous à la caméra, sans commune raison, plates pensées lycéennes (le programme de physique y est revisité, artifice masquant, légitimant ?).

Certes, on perçoit que Brisseau a pu être un bon cinéaste, mais il est aujourd'hui beaucoup plus proche d'un très mauvais Vadim que d'un Bresson désinspiré, avec qui bizarrement, on aurait pu faire quelques parallèles au début de sa carrière.

Le monsieur débloque selon moi.

A moins d'être voyeur, franchement, évitez ce film et n'écoutez surtout pas les critiques ridicules des inrockuptibles ou des cahiers du cinéma (comment ont-ils pu trouver ce film bon ?)

A l’aventure - BA - FR

Interview Jean-Claude Brisseau et Jean Musy - A L'AVENTURE
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Coup de coeur: Tokyo Sonata *****

2009-04-02T22:58:00.007+02:00

Voici un coup de coeur bluffant. Difficile de démarrer ce billet, par où commencer ?

Par le début peut être, la fin ? Les impressions spécifiques ? L'impression générale ?

Non, démarrons par dire que nous avions laissé Tokyo vu par Gondry, Carax, ou encore Joon-Ho, des étrangers en somme. Nous étions séduits, imbibés.

Nous retrouvons maintenant Tokyo vu par un cinéaste Japonais, Jiyoshi Kurosawa.

Tokyo Sonata obtint le prix du jury de la sélection "un certain regard" à Cannes, et oui nous pouvons dire que le regard est intéressant.

Tentons l'impossible, la comparaison. Qui plus est, la comparaison osée.

Prenez Tarantino, enlevez le côté Kitano, l'action et les pan-pan, gardez l'absurde, le burlesque, le rocambolesque, tintez d'un soupçon d'Elia Suleiman, histoire de concentrer l'abracadabrant, ajoutez un soupçon de la maîtrise de l'arrêt sur image (la photographie) de Kubrik; mélangez le tout avec une réflexion bergmanienne, sur les relations familiales, la filiation, la course du temps et le sens de la vie, contez tout ceci dans une chronologie tout à la fois respectueuse mais aussi déroutante, écoutez "a day in the life" ou "paranoid android", pour vous rappeler que la construction musicale peut oser les étapes distinctes tout en assurant une continuité, la qualité; corser le tout en mélangeant les petites histoires dans la grande histoire, en dressant des portraits attachants ou rebutants, conservez cette liberté de construction, et mélangez allègrement tragédie, humour, et sensibilité; terminez votre oeuvre tel un chef: la note finale, la sonate, amère et douce tout à la fois, virtuose, vous entonne subliminalement une critique acide de la société japonaise, de Tokyo, avec un sens de l'observation et une acuité rare. Cette perle, Tokyo Sonata, surprendra alors tant dans sa peinture contemporaine, dans son surréalisme, dans sa maîtrise tout simplement.

Excellent.

Tokyo Sonata - BA - Vost FR

La vague ... * point break 2

2009-03-27T00:11:00.008+01:00

Le cinéma allemand nous évoquait principalement Herzog, Wenders et Fassbinder, après les Lang et autres Murnau, avant de nous apparaître ces dernières années très prolifique en oeuvres de très bonne facture (Good Bye Lenin, La vie des autres, ...). Une vitalité, un esprit critique; une rigueur qu'on lui connaît, et qui appliquée à des thématiques politiques s'avère bien souvent un atout cinématographique. L'envie nous prend de découvrir un nouvel auteur, au détour d'un sujet qui hante et inspire l'allemagne, l'interroge et la solidarise, la culpabilité éduquée, entretenue, le devoir de mémoire et le profil bas.
Nous voici alors entré dans une classe allemande, où les professeurs de sport peuvent enseigner, avec une liberté pédagogique symbole de l'éducation allemande, des sujets tels l'anarchie ou l'autocratie. Le tutoiement est de pair, le gentil professeur jouit d'une popularité auprès de ses élèves qui n'a d'égal que son charisme d'entraineur de water polo; ses idéaux sont irréprochables, il bénéficie du soutien de sa compagne professeur plus classique, et de sa principale, moderne et ouverte aux expériences pédagogiques. Liberté d'enseignement, compétences pédagogiques, charisme supposé. On est loin de "la journée de la jupe", on est plus proche du "cercle des poètes disparus", ou, si l'on devait considérer une carte postale immensémment réductrice, de François Bégeaudeau*. Le thème est interrogeant, intéressant, ambitieux, et on attend beaucoup de cette adaptation d'une histoire vraie, mais aussi d'un roman à succès outre Rhin. La naissance du fascisme, ses origines, ses attraits, la fragilité de la démocratie pourtant établie, démontrée par un professeur hors clous, hors sentiers, sans peur mais avec reproche.
Le film séduit dans sa première approche, on se prend à penser que nous allons vivre une expérience éducative élaborée, riche, critique, fine.
Malheureusement, après 1 heure et demie de leçon, nous retiendrons surtout de ce professeur sa pédagogie purement didactique, son revirement absolument incrédible, la superficialité caricaturale de sa démonstration aidée en cela par une acceptation de la théorie par ceux là même qui la dénoncaient au préalable.
Un propos du cinéaste qui finalement s'avère particulièrement confus, il semble quelque part vouloir quitter la culpabilité qui hante ses contemporains, l'ambiguité règne ... Là où nous pouvions attendre humanisme, raison, esprit critique, questionnement, nous nous désolons de trouver une pensée simplifiée, dogmatique, le professeur n'est pas nécessairement dans la classe, mais peut être bien derrière la caméra, et il semble nous imposer sa vision, pour éteindre notre esprit critique. Ne l'éteignons pas justement, ce film peut séduire peut être, il a quelques qualités, à commencer pas son thème, mais il peut aussi désoler, laisser de marbre, ou même déranger, dans le mauvais sens du terme.

* Au final, la comparaison avec "Entre les murs" est une erreur, celle avec "La journée de la Jupe" (bon film, excellente composition d'Adjani) l'est tout autant, la comparaison avec "le cercle des poètes disparus" semble presque plus logique. En fait, le comparaison qui me vient le plus à l'esprit serait avec "Point break".

La fille du RER ** d'André Téchiné

2009-03-25T18:45:00.007+01:00

Tiré d'un fait médiatique (on ne saurait dire fait-divers, puisqu'il s'agissait d'un énorme mensonge) La fille du RER nous emmène loin de ce thème qui n'est, bien entendu, qu'un prétexte, une trame comme une autre. Le film est composé de deux parties, dont la première est éblouissante.

Téchiné s'autocite : il reprend le magnifique thème musical de Barroco -une musique de Sarde. Cinématographiquement, il fait dans l'inédit lorsque les personnages incarnés par Emilie Dequenne et Nicolas Duvauchelle correspondent via Msn : à l'image se superpose leur conversation écrite, en grandes lettres, l'image des deux webcams prend tout l'écran, dans un grain magnifique. Il y a une très belle scène d'amour dans les tons rouges qui ressemble à un tableau, avec un très beau ralenti. Personne ne filme les bois ensoleillés comme il le fait -ce qu'il nous avait déjà montré dans Les roseaux sauvages.

Emilie Dequenne, inexploitée depuis Rosetta, trouve un rôle à sa mesure, un rôle de composition, comme Rosetta, d'ailleurs. Elle incarne une fille d'une vingtaine d'années presque toujours campée sur ses rollers. Pour cela elle s'est imposé un régime drastique pour être extrêmement mince -car selon elle on est mince à 20 ans, la plupart du temps- et des heures d'entraînement -elle avait très peur de tomber tout au long du tournage.

Catherine Deneuve est tout à fait crédible en maman d'Emilie Dequenne et en femme modeste vivant dans un petit pavillon de banlieue encombré du vacarme de RER -bien, qu'il faille le remarquer ni l'une ni l'autre n'ont l'âge des personnages. Michel Blanc, délesté de son passé de héros comique et loser, incarne parfaitement l'homme nanti et raffiné, et lorsque l'on lui invente un passé, on parvient à l'imaginer ainsi.

Un film de Téchiné n'est pas un film de Téchiné sans beaux éphèbes : aussi boit-on la beauté de voyou de Duvauchelle et la grâce adolescente de Jérémy Quaegebeur.

Le film, en dépit de sa beauté indéniable, de sa musique envoûtante, de ses acteurs parfaits, n'est que partiellement réussi. La seconde partie, celle du mensonge et ses conséquences ne tient pas : l'histoire s'éparpille, les points de vue de disloquent, la psychologie ne fonctionne pas (on n'y croit pas). En somme, le film n'est pas tenu jusqu'au bout. Il n'en demeure pas moins intéressant à voir, seulement on regrette le chef d'oeuvre qu'il aurait pu être, à quelque faux pas près.

Coco numéro 0

2009-03-20T20:57:00.002+01:00

Coco, un personnage "éclatant"

Alors il est comment le prochain film de Gad Elmaleh ?
Gad est beau, Gad est intelligent, Gad est drôle sans jamais être vulgaire, et désormais Gad est réalisateur et incarne Coco.
Coco, rien à voir avec Chanel, ni Cocorosie ou quoi. Coco, à l'instant de Chouchou, est un personnage d'un des spectacles de Gad, vous savez, ce type qui veut faire de la Bar Mitzvah de son fils un événement national, voire internationnal, sinon planétaire.
On retrouve donc ce personnage au sobriquet aux deux syllabes identiques dans un long métrage, qui, comme son personnage, a de gros moyens.
Gad Elmaleh passe donc à la réalisation, une réalisation plus rythmée et plus pro que Chouchou, avec le jeune comique Manu Payet, l'inénarable Jean Benguigui, Enrico Macias (qui avait joué dans La vérité si je mens 2).
Malgré cela, rien n'y fait. Le film de décolle pas, on rit peu, on sourit plutôt. Hormis le pitch de base, pas grand chose de plus dans le scénario, les enjeux dramatiques sont pour ainsi dire inexistants et donc les moments dits d'émotion ne nous font rien puisqu'on n'y croit pas, on n'accroche pas.
Chouchou, à défaut d'être un grand film comique, mettait en scène un personnage pas évident, un travelo d'origine algérienne, et Gad Elmaleh, qui n'était pas encore la superstar d'aujourd'hui , risquait beaucoup, et faisait d'un sujet habituellement tragique et marginal au cinéma un film fédérateur, qui, mine de rien, enseignait une certaine tolérance (Gad est aussi une immense star au Maroc et être travelo au Maroc ce n'est pas... évident). Coco, juif séfarade d'origine marocaine qui est parti de rien pour arriver à tout, n'arrive pas à nous toucher dans sa volonté de "montrer". Ce trait qui devait être émouvant -et qui pourrait être un rien autobiographique, toute proportion gardée, Elmaleh n'est pas du genre bling-bling- ne nous touche pas. La vérité si je mens 1 et 2, ou Comment t'y est belle, entre autres, ont surexploité les séfarades bigger than life qui jurent sur la vie de leur mère, portent des sapes dorées et se la donnent un max ; et ce qui faisait rire dans le sketch éponyme était justement que Coco exagérait tout ce qu'il disait, on n'imaginait pas que Spielberg vienne filmer la Bar Mitzvah de son fils etc... En gros c'était le côté "marseillais" et mauvaise foi du personnage qui faisait rire, sans compter que la durée d'un sketch n'est pas celle d'un film. Dans Chouchou, il y avait, pour répliquer à Gad, deux très bons acteurs dans deux bons personnages forts : Roschdy Zem en Frère Jean (ex-caillera devenu curé après avoir vu la Vierge) et Alain Chabat en amoureux transi d'une fille-garçon. Pour Coco, on a une apparition clin d'œil autobiographique de Depardieu, mais les autres personnages ou acteurs ne sont pas assez travaillés et font figure de faire-valoir.
On retrouve des gimmick -"Tu m'as éclaté !"- qui prendront sans doute le relais de "J'adoooore les sushi", l'humour de Gad n'est pas cradingue (ça fait plaisir), mais un immense comique de One man show (dont le premier spectacle, Décalages, est sans doute le meilleur et le plus touchant ) ne fait pas un grand comique de cinéma, encore moins un grand réalisteur de films comique (le genre le plus casse-gueule, doit-on le rappeler). Imagine-t-on De Funes, qui n'était jamais aussi drôle que filmé en gros plan, aussi tordant tout seul sur scène ?
De plus, on est surpris et un rien agacé de retrouver dans ce film des bons sentiments à l'américaine (dans les scènes avec le fils, la femme), limite La petite maison dans la praire version riche, sentimentalisme dont Elmaleh, pourtant, se moquait sur scène.
Mais malgré cela, on se doute bien que le film, dont les réservations en avant-première éclatent tout les records, va cartonner en salles comme l'a fait Camping, Les 11 commandements, Brice de Nice, Disco ou... Chouchou.

Filmographie inédite d'Adjani et pour cause

2009-03-20T14:25:00.008+01:00

Vendredi 20 mars, sur Arte à 20h45, La journée de la jupe à ne surtout pas rater ! Le 23 mars, Isabelle sera l'invitée du Grand Journal pour ce film. -qui sort le 25 mars au cinéma. Petite rétrospective des films qu'elle n'a pas faits (quittés en plein tournage, refusés au scénario ou au dernier moment ou tout simplement non réalisés). Une liste qui forcément laisse ses fans sur leur faim.
(Merci à Emma pour sa contribution !)
Le bal des actrices de Maïwenn Le Besco. Elle a refusé son propre rôle, écrit, à sa demande, par Maïwenn. Elle trouve son personnage diffamant et propageant les pires rumeurs à son encontre.
New York I love you d'Antony Minghella. Le réalisateur est décédé entre temps, ce qui explique peut être pourquoi le film ne s'est pas fait.

Alexandre d'Oliver Stone. Rôle de la mère d'Alexandre, finalement tenu par Angelina Jolie.
Un crime au paradis de Jean Becker. Elle aurait du tourner le rôle du juge -dumoins on espère. Cela aurait été ses retrouvailles avec Jean Becker. Le film n'est pas terrible. Le rôle sera tenu par son ex, André Dussolier.
Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre d'Alain Chabat. Rôle repris par Monica Belluci. C'était l'époque où Adjani arborait une coupe au carré qui faisait indéniablement penser à l'impératrice. Elle a refusé le film au dernier moment. Son fils cadet, Gabriel-Kane, regrette beaucoup qu'elle l'ait refusé.
The double de Roman Polanski. Un film sur le thème du double qui ne s'est jamais fait. Adjani avait donné son accord et devait jouer en face de John Travolta et Jean Reno, mais quitta le projet lors du désistement de Travolta. Dommage.

Belphégor, le fantôme du Louvres de Jean-Paul Salomé. Sophie Marceau la remplace une nouvelle fois.

Lunes de fiel de Roman Polanski. Lors de la parution du roman, Alain Delon et Adjani étaient intéressés par cette histoire de couple malsain au point d'en vouloir en acquérir les droits. Tout deux avaient très envie de jouer ensemble. Mais ils ont finit par se disputer. Isabelle Adjani était aussi intéressée par le roman de Pascal Bruckner, Les Voleurs de Beauté, paru en 1996, qui n'a jamais été adapté au cinéma.

Proposition indécente d'Adrian Lyne. Demi Moore tiendra le rôle. C'est la 2eme fois qu'elle refuse de tourner avec le réalisateur de 9 semaines et demie.

Basic Instinct de Paul Verhoeven. Le rôle qui a fait de Sharon Stone une star. Quand on voit Adjani en femme fatale dans Mortelle randonnée, on imagine combien elle aurait bien tenu le rôle de Katherine Tramel.

Cyrano de Bergerac de Jean-Paul Rappeneau.

La putain du Roi d'Alex Corti.Valéria Golino prendra sa place. Un film assez joli.

Trois places pour le 26 de Jacques Demy.
On aurait aimé voir Adjani dans l'univers faussement acidulé de Demy. Elle aurait de nouveau incarné la fille d'Yves Montand (après Tout feu tout flamme) mais cette fois de façon plus ambiguë. Mathilda May, alors en pleine ascension, reprend le rôle.

Maladie d'amour de Jacques Deray.
Elle est remplacée par Nastassja Kinski qui, il faut l'avouer, est sublime dans ce film -en la voyant dedans, Françoise Hardy a dit qu'elle pourrait renoncer à l'hétérosexualité.
Si Adjani l'avait fait, elle aurait joué face à Jean-Hugues Anglade -qui joua son frère dans La Reine Margot. Un bon film.

37°2 le matin de Jean-Jacques Beneix. Adjani s'est un temps intéressée à ce personnage qui sombre dans la folie. De même que Delon qui envisageait d'incarner le rôle de Zorg (!). Adjani et Delon ont envisagé plusieurs projets dans les années 80 mais se sont finalement brouillés.
Betty est incarnée par une jeune inconnue repérée par Dominique Besnehard : Beatrice Dalle. Magnifique. Atypique. Ne serait-ce que pour cette raison, et aussi parce que c'est un film culte qui semble indissociable de ses interprètes, on ne regrette pas ce choix.

The blackout de Serge Gainsbourg. Un homme, sa femme, sa maîtresse. Un huit clos qui se serait passé lors d'une grande coupure d'électricité et où les personnages ne seraient éclairés que par les lumières des phares d'une voiture. Voici le synopsis :

A Los Angeles, dans sa villa, durant une panne d'électricité générale, le scénariste Leslie Anderson, sa femme Angela, fille d'un producteur connu, et sa maîtresse Alice, vivent à la lumière des phares d'une Cadillac un drame noir et passionnel ressemblant étrangement au dernier scénario du maître de maison. Un film "Hitchcockien, presque d'horreur"
Adjani aurait joué le rôle de la maîtresse tandis que Jane Birkin celui de l'épouse. Gainsbourg voulait un acteur américain pour le rôle principal puisque l'action se passait à Los Angeles. C'était le rôle d'un lâche qui, notamment, laissait sa femme se faire violer sous ses yeux alors qu'il avait une arme à feu et donc pouvait la défendre. Dirk Bogarde était initialement prévu pour le rôle qui le refuse car il sort de Providence, de Resnais, et ne veut pas aussitôt refaire un film trop noir. Robert Mitchum a plus ou moins décliné le rôle pour cette raison : ne pas jouer le rôle d'un lâche. Le rôle est finalement proposé à Alain Delon qui se fait projeter Je t'aime moi non plus avait d'envoyer un refus concis et cinglant. De Niro, lui aussi a été envisagé pour le film qui terminera en BD à défaut d'être sur l'écran. Pour lire Gainsbourg parler des péripéties du projet et voir les extraits de la BD c'est ici. D'ailleurs la bande dessinée reprend clairement les traits du visage des deux actrices envisagées et Gainsbourg dans le rôle masculin. Donc Isabelle sera, sous forme d'héroïne dessinée, l'interprète du scénario de Gainsbourg.

Paroles et musique d’Elie Chouraki. Catherine Deneuve reprend le rôle. On voit les débuts de Charlotte Gainsbourg, dont Adjani aurait du incarner la mère.

Pirates de Roman Polanski. Le film a été écrit entre 1975 et 1976 avec Gérard Brach et se voulait une satire des films de pirates (un peu comme Le Bal des vampires est une parodie des films de vampires). Isabelle Adjani aurait du incarner le rôle féminin principal aux côtés de Jack Nicolson. Le film a eu des difficultés à se monter auprès des majors américaines qui déclineront finalement. Ce qui fait qu'il ne sortira finalement qu'en 1986, produit par Tarik Ben Amar. La toute jeune Emmanuellle Béart avait d'ailleurs passé un casting pour incarner le rôle initialement prévu pour Adjani.

Liaison Fatale d'Adrian Lyne. Le rôle de la "méchante" sera incarné par Glenn Close. Etrangement -car ce n'est pas un rôle des plus flatteurs et il est assez caricatural- Adjani déclarera regretter de ne pas l'avoir fait.

Police de Maurice Pialat. 1985. Isabelle Adjani était très intéressée par le rôle de Noria. En raison de ses vraies-fausses origines maghrébines. Pialat refuse qu'elle l'interprète, un peu pour se venger des refus d'Isabelle, notamment pour Loulou. Il faut noter que Sophie Marceau a "pris la place" d'Adjani dans au moins trois rôles. Elle devait d'ailleurs la remplacer pour Bon voyage, avant de tomber enceinte, et qu'Adjani reprenne finalement le rôle.

1984 : Jacques Veber lui écrit un rôle face à Pierre Richard. Le projet n'a pas vu jour malgré le scénario sur-mesure. Veber est un maître de la comédie et nul doute que le projet aurait été l'une des meilleures comédies d'Adjani avec Tout feu tout flamme.

Rendez vous d'André Téchiné. Rôle incarné par la toute jeune Juliette Binoche.

Loulou de Maurice Pialat. 1980. Isabelle Huppert, qui a débuté avec Isabelle Adjani dans Fautine ou le bel été, reprend le rôle. Elle s'est souvent intéressée aux mêmes personnage qu'Adjani. La rencontre entre Pialat et Adjani aurait été magnifique, on n'en doute pas et on est curieux d'imaginer ce qu'aurait donné la star dans un film naturaliste et en roue libre.

L'Amour Braque d'André Zulawski. Film culte et disons le, chef-d’œuvre controversé. Rôle finalement tenu par Sophie Marceau.

Prénom Carmen de Jean-Luc Godard : film quitté en plein tournage. Elle sera remplacée par Maruska Detmers.
Adjani dira à Première : "L'équipe, c'était juste quelques personnes, plus une petite caméra 35mm, qu'il avait fait fabriquer, posée sur un pied, et pas de lumière ni en extérieur, ni en interieur... Je me suis dit : ça c'est formidable... Godard, son truc, c'est de faire des films de niveau A avec du système D ! Mais je ne m'y suis pas habituée : pendant ces quelques jours avec lui, je me suis sentie sans protection, vulnérable... Il a un enthousiasme très pudique et je crois que pour saisir ce qu'il y a de tendre et de chaleureux, il faut avoir la pêche. Et moi je n'étais pas assez en forme pour affronter ses méthodes de tournage magnifiquement perverses. Ce n'était pas le bon moment, c'est aussi bête que ça. Alors, tout simplement, je suis partie..."

Chic de Jean Paul Rappeneau. Elle aurait joué face à Catherine Deneuve.

La dame aux camélias de Joseph Losey.
Isabelle Adjani était partante elle a même fait les essais coiffure. C'est un rôle qu'elle a bien sûr finalement incarné au théâtre. Le film ne s'est pas fait faute de producteur -il aurait du se faire aux Etats Unis. Dommage, car le grand Losey avait déjà offert un de ses meilleurs rôles à Alain Delon dans Mr Klein et on ne doute pas que La dame aux camélias -un type de rôle dans lequel Adjani excelle- aurait été, au moins, un très bon film.

Cet obscur objet du désir de Luis Bunuel.
Attention, chef d'oeuvre !
Maria Schneider, sublime héroïne du Dernier Tango à Paris, avait quitté le tournage, brouillée avec Bunuel et ne tenant pas à jouer dans un film qu'elle avait qualifié de pornographique.
Adjani a décliné le projet car elle avait peur de danser le falmenco nue. Le rôle, à deux facettes, sera tenu par Carole Bouquet, qui fait ici ses début, ainsi que Angla Molia.

Espace zéro de Pierre-Jean de San Bartholomé. Un projet qui date de 1974. Isabelle Adjani y a eu pour partenaires Eugéne Ionesco, Emmanuelle Riva, Jacques Spiessier et Daniel Gelin. Le film a été tourné mais demeure inédit;

Gran Torino ***

2009-03-13T00:43:00.010+01:00

Passionné de voiture de collection ? Fan des 24 heures du Mans ?

Vous avez fait la guerre du Vietnam ? Vous êtes profondément républicain ?
Vous vous rendez compte qu'autour de vous les gens sont intéressés ?
La jeunesse vous agace ?
Fan de Bricolage/Mécanique ?
Amateur de vocabulaire fleuri sorti de derrière les fagots ?
Fan de Clint Eastwood ?
Cinéphile peut être?
Gran Torino est fait pour vous;

Le nouvel opus du toujours fringuant Clint s'avère une réussite assez époustouflante, un petit exercice de style parfaitement maîtrisé, une étrangeté réjouissante.
La comparaison fera peut être sourire, mais Clint emprunte parfois à Homer Simpson, personnage oh combien pétri de défauts, mais au cœur gros comme une maison en lotissement pour qui sait y voir.
La rédemption est au centre du sujet, tout comme la bêtise environnante, à la façon Dino Risi parfois (Les monstres, les nouveaux monstres). Le film sonne le plus juste dans son approche assez déroutante, le jeu de fausse pistes, de paradoxes; la complexité de la simplicité.
Laissez-vous séduire, au menu vous alternerez entre rire jaune, rire franc, rejet, et au moment où vous vous y attendrez le moins, dans un silence de cathédrale, l'émotion vous gagnera.
Portrait aigre-doux de l'américain vietnamien, portrait acéré d'une société troublée, portrait où l'humain et la religion sont questionnés.

A conseiller définitivement, et notamment pour le florilège impressionnant d'insultes !
Affreux, propre, et pas si méchant.

Gran torino - bande annonce

"Welcome" de Philippe Lioret

2009-03-12T00:45:00.005+01:00

Un jeune Irakien sans papier rencontre un maître nageur, ancien champion qui a renoncé, tout çela dans le décor glaçant de Calais.

Un titre ironique. Philippe Lioret, après Je vais bien ne t'en fais pas, descend un cran de plus dans le sombre. On est bien loin de Mademoiselle, hommage solaire et léger à Sandrine Bonnaire.
Le point commun avec son dernier film ? Un très jeune personnage en but à un monde plus hostile. Le sujet "sans papier à Calais" pouvait rebuter d'aucuns. Il n'en est rien, car bien que le sujet soit traité, de ce point de vue, de façon documentaire (il n'est rien qui soit dans le film qui ne soit vrai, nous a confié P. Lioret en entretien), le romanesque et la beauté cinématographique demeurent. D'ailleurs la lumière est si belle qu'Audrey Dana ressemble à Mélanie Laurent.
Histoires d'amours (deux). Un jeune homme prêt à traverser la manche à la nage pour rejoindre sa bien-aimée. un autre qui n'a pas eu le courage de traverser la rue pour rattraper sa femme qui le quittait. Firat Ayverdi est une véritable révélation. Les spécialiste disent que Vincent Lindon n'a jamais été aussi bien et Lioret d'ajouter qu'il n'a jamais été aussi lui-même. Sans rien en révéler, la fin est une gifle -à la Bertrand Cantat. Lioret se défend d'avoir fait un film politique et noir. Ne le lui dites-pas, cela l'énerve. Ne lui déplaise, Première est d'accord avec nous et Eric Besson, ministre de l'immigration, est en colère après ce film. Allez le voir.
NB: Pour entendre Philippe Lioret, réécoutez l'émission de samedi dernier:

L'émission du 07/03/09 Entretien avec P. Lioret: Welcome

tilidom.com

Quand Mickey devient Hulk ...

2009-03-01T19:46:00.010+01:00

Mickey Rourke, 9 semaines et demi ... Le bellâtre, charismatique, sensuel; marginal à l'écran comme à la vie. Les années 80 furent fastes et cinématographiques, les 90 bien plus obscures, la boxe, l'alcool, les mœurs. La décennie 2000 l'a fait apparaitre par instants, dans Sin City ou Domino par exemple. Les deux films ont des plastiques très particulières, nous faisant douter du portrait méconnaissable;

Daren Aronofski avait fait son entrée dans le 7ème art avec un très énigmatique Pi, avant d'être révélé via l'excellent Requiem for a dream (Adaptation de Selby), où son sens plastique, son point de vue de cinéaste avaient fait merveille, dans un tourbillon clinquant, naroleptisant et intriguant. Plus récemment, en 2006, The Fountain avait reçu une critique intéressante.
Nous retrouvons donc Daren Aronofski dans une nouvelle réalisation, défi, qu'il pensait proposer à N. Cage dans un premier temps, mais pour lequel l'homme-personnage Mickey Rourke semble taillé, tant sa vie et son œuvre présentent des similarités avec le personnage de "Randy The Ram", le bélier, catcheur à succès tombé dans un quotidien désaffecté, âpre, esseulé.
"The Wrestler" [le lutteur] démarre, après un bref flashback sur les succès antérieurs, par la vue du dos de Mickey Rourke, mélange de Hulk Hogan et de Flash Gordon [quant à son allure]. Cette séquence impressionne. Décrouvrira-t-on le visage de celui que l'on sait devenu monstre après avoir été l'un des plus expressifs charmeurs ?
Le film emprunte pour partie sa trame à Rocky, et ce n'est pas lui faire déshonneur que de dire cela, nous entendons par là que le film nous introduit un personnage revanchard, à la gloire oubliée, lessivée courageux. Le parti-pris est cependant bien différent, le courage et le vice plutot que le courage et la vertu, le repenti avorté, l'échec social en lieu et place d'"Adrienne j'ai gagné". Mickey et non Sylvestre. Randy et non Rocky.
Un moment à passer ambigu, trouble, âpre et maitrisé, pas franchement en famille - pas glamour pour un penny, quoi que la trame scénaristique tend à nous induire en erreur, ou à nous égarer, le temps d'une sentimentalité retrouvée.

Arnofosky prouve son talent, nous sommes très loin de Requiem for a dream, de ses illusions, de son monde inventé, des artifices, là nous sommes cruellement au milieu d'une réalité, et le pont entre les deux films n'est pas la lumière, le rythme, le son mais bien le thème, l'addiction, la vision - pessimiste mais ambigu, parfois compréhensive - tout n'est pas blanc ou noir - mais aussi la qualité du cinéaste.
Un film à voir, de qualité, mais qui ne pourra pas séduire le plus large public. (réservé à un public averti dirons-nous).
Nous gardons nécessairement à l'esprit cette scène finale où l'interprétation est guidée, mais sans vérité absolue, et la scène introductrice; l'entrée de l'artiste que l'on suit de dos.

The Wrestler avec Mickey Rourke

Bellamy, bon Chabrol !

2009-02-27T04:31:00.001+01:00

Depardieu-Cornillac : aime ton frère

Vous ne savez pas voir, nous dit Chabrol. Ce qu'on voit d'abord c'est le volume d'un Depardieu qui n'a jamais été aussi imposant physiquement mais aussi son talent tout en nuances et sensibilité. Certes, on l'avait vu très impressionnant dans Mesrine notamment, mais cela faisait longtemps qu'il n'avait pas tenu un film entier de ses épaules. On retrouve ici ce charisme qui est le sien depuis quelques années, propre aux personnages qui ont de la bouteille -sans mauvais jeu de mots.
En effet, que ce soit dans 36 quai des Orfèvres, Mesrine, Diamant 13, il possède désormais une aura analogue à celle de Gabin dans des rôles de flic ou de voyou.

Il sera flic, commissaire célèbre plus précisément, dans ce beau portrait qu'est Bellamy. Depardieu qui a tourné avec les maîtres Ferreri, Pialat, Godard ou Truffaut, n'avait étrangement jamais travaillé avec le dernier survivant de la Nouvelle Vague.

Chacha et Gérard s'éclatent sur le tournage

Le voici donc en commissaire Bellamy, un type en vacances et fou amoureux de sa femme, un homme apparemment heureux qui verra un auto-désigné coupable (Jacques Gamblin) se présenter à lui et aussi son jeune demi frère (Clovis Cornillac) débarquer dans sa maison de vacances Nîmoise.
Un pur Chabrol en ceci : bourgeoisie de province, bonne bouffe, musique de Chabrol fils. Et une nouvelle jolie jeune première. Après Virginie Ledoyen, Anna Mouglais, Mélanie Doutey, Laura Smet, c'est Vahina Giocante qui s'y colle. Une actrice qu'on aimerait cependant voir dans d'autres rôles que celui de la jeune femme sexy et plate -sans oxymore.

L'intrigue policière s'avère rapidement dérisoire, avec un Jacques Gamblin qui en fait des tonnes dans un -un seul ?- personnage analogue à celui que tenait Magimel dans La fille coupée en deux. Chacha -car c'est son sobriquet- s'est mis aux personnages grimés de type La môme ou Mesrine. Les maquillages sont bien faits mais gênent, surtout dans un univers aussi réaliste.
L'intrigue sentimentale, celle des rapports entre Bellamy et sa femme, mais surtout son frère, prend à la gorge. Le face à face des deux frères n'est pas sans rappeler les rapports que l'on prêtait aux Depardieu père-fils. Avec de très beau plans, aussi beaux que celui de la goutte de sang dans Le Boucher. Des images qui restent en tête. Et une fin inattendue, un twist qui nous dévoile un abîme psychologique et dramatique qui nous serre la gorge au point d'en pleurer. Oui.